ENFORCER - From Beyond

ENFORCER < TERMINAL -

Podria escuchar este tema por dias pero prefiero hacerlo por horas. Por lo general pongo este tema en repeat y dos escenarios se repiten en mi cabeza; en uno floto en el espacio a la deriva en un traje de astronauta y paso al costado de asteroides que giran en su propio sitio, el sol no existe, solo lucesitas baratas que son las estrellas y en el medio de la nada, de ese negro iluminado no siento nada, ni voy a ningun lugar y por eso todo va bien. En el otro soy Conan y camino en un paisaje desolado y arido, buscando carne cruda y mujeres de pechos voluminosos. Estoy desnudo pero no hay verguenza porque tengo el cuerpo que Schwarzenegger tenia en sus veintes.... 

CHRISTIAN VAN LACKE - en la Ciudad Gris...

Estaba de paso por Lima a fines del 2013 y da la casualidad y puta mala suerte que la misma noche en la que partía, Tlon tocaban un concierto de reunión después de estar separados por mas de un año. Christian me consuela invitándome al ultimo ensayo de la banda antes del concierto. 

El show de reunión comprenderá de dos partes, una con cada bajista (Marcos Coifman y Besar Bustamante) y algunos invitados de lujo. Uno de ellos sera Juan Luis Pereira, guitarrista de la legendaria banda peruana El Polen y quien esa misma tarde pasaría por casa de Christian para finalizar algunos ensayos con el cantante/guitarrista y el resto de la banda.

Como es raro en el Perú, llego a casa de Christian puntual. Localizada en una esquina en el distrito de Pueblo Libre, la casa roja que Christian comparte con su novia esta en un lugar donde antes funcionaba una farmacia y la funcionalidad del diseño de pocas paredes le trae a la mente a algunos la idea de un loft. 

Mientras esperamos a Juan Luis, charlamos y hablamos un poco de todo. Mi intencion es sosacarle algo que ya no se. Tlon es la banda con mas cobertura en este blog y aqui ya lo sabemos casi todo. Juan Luis debe de llegar en cualquier momento...

DI - Naciste en el '74, año en el que Perón murió. Cuentame un poco de tu infancia y de tus entornos de esa época. 

Me crié en el campo, en Pacheco. Me mude varias veces, pero te diría que de ahí vengo, queda en la provincia de Buenos Aires, calles de tierra y verdín. Así era en los 80´s, todo era parar en la calle, mucho más conectado con las cosas simples, jugábamos subiéndonos a los arboles, o dejando piedras en las vías del tren para que este las despedazara por los aires. Nos embarrábamos cuando llovía, usábamos la imaginación casi como único medio de diversión o pasatiempo, mucho más conectados con el entorno natural. Mi viejo se separo de mi madre yo muy pequeño, ella hizo una carrera de cantante en Venezuela. Se conocieron en Perú en el 72, no tengo recuerdo de ellos dos juntos. A mi vieja la veía una vez al año por navidades, pero nunca fue un problema eso, para mí era lo normal. Me crié con mi padre, su mujer de aquel entonces y una hermana, par de años menor que yo. Mi casa de Pacheco era un lugar donde caían muchos músicos que la remaban desde los 60´s y 70´s, la mayoría seguían inmersos en la ideología hippie. Eramos de viajar, de irnos a el Bolsón en auto, esto queda pegado a la cordillera de los Andes, en la provincia de Chubut. En aquel entonces había una colonia jipona allá. Yo tenía mis amigos del barrio y también a los hijos de estos músicos precursores que teníamos todos la misma edad o por ahí; Los Marassi (Alejandro Marassi perteneció a “La Banda del Oeste, Miguel Cantilo y grupo Sur, etc), Los Gornatti (Quique Gornatti perteneció a Punch, a Pedro y Pablo y “Bola de Destrucción con Pappo, entre otros), Jorge y Bea (Bea es quien me ha hecho los cuadros para el arte de tapa con mis discos de “La Fauna”), nos llevaban a conciertos e íbamos todos como una gran tribu.

DI - Y musicalmente, ¿como te formas cuando eras crio? 

Mica Reidel, hoy, personaje legendario, el primero que hizo música experimental, progre con electrónica, el mismo construía sus osciladores y teclados ya que era ingeniero electrónico ,el primero en hacer música aleatoria por allá, caía a la casa en una moto con la guitarra colgada en la espalda, vestido de militar, barba y pelo largo, personaje de aquellos, me encantaba de niño que me contara sobre su grupo "Supermoco". Me daba vuelta el nombre, era un niño y el nombre del grupo me disparaba a un montón de lugares. El fue el primero que me enseño acordes en la guitarra, mi primer maestro. Creo también que mas allá de los acordes, la enseñanza iba por el lado de las palabras y de la estética visual de Mica, congelado en una forma de pensar muy surrealista, que podía ser para algunos anticuada, pero que para mí quedo en vías de desarrollo, puesto que toda la música del setenta pintaba desde su usina creativa como un medio de transporte para cambiar la consciencia de los seres en este planeta, para embellecer de manera brutal y definitiva este mundo, desde la sutileza de una buena progresión sonora hasta la puesta de las palabras, al menos ese fue el punto de partida, pero con los años se fue desdibujando, a Mica lo veía como a un guerrero y creo que yo he tomado ese camino, de lucha, de intentar con la mayor honestidad posible hacer una música fuera de molde o de las corrientes en boga, algo complejo, pero simple a la vez, la simpleza que tiene que ver con creer que la música tiene una misión de ser mucho más importante que nosotros mismos, que es parte de la naturaleza misma, la de abrir nuevas percepciones en plan místico sin tener que recurrir exclusivamente a lo sacro, mucho más libre y desatada seguramente. 

DI - Hace tiempo, durante nuestra primera entrevista, me comentaste como descubriste que tu padre había sido parte de Tarkus. Aparte de ese suceso, ¿que otros sucesos musicales te dan forma? 

Mi casa estaba llena de música, como te digo, venían músicos de larga data, recuerdo el tocadiscos de mi casa y el primero de Invisible ahí, ”Pappos Blues III”, “Manal”, pero los dos vinilos que mas gasté y que estaban en la batea de metal debajo del mismo, que era como un supermercado a los sentidos, eran el Yendo de la Cama al Living de Charly Garcia y Me Vuelvo Cada Día Más Loca de Celeste Carballo, habían salido ese año (1982) y esa música la pasaban en la radio, sabemos que ahora es casi una utopía algo así, pero era así por aquel entonces… 

Esos dos discos los saque de la batea y los mande a mudar a mi cuarto. Nunca me separé de ellos, aún hoy los conservo, todos rayados pero ahí están. Cuando iba de vacaciones a ver a mi madre, los llevaba conmigo en la valija y hacia unos shows privados para los amigos de mis tíos, cantando sobre las pistas de “Yo No Quiero Volverme Tan Loco” de Charly y “Querido Coronel Pringles” y “Es la Vida Que Me Alcanza” de Celeste, estas últimas dos tenían que ver en su lírica con lo que yo vivía en Pacheco. Me identificaban por ahí, era muy chico, tenia 7, a “Querido Coronel” le cambiaba la letra y en vez de decir 'voy a tomar la ruta tres', decía 'la ruta nueve', ya que esa ruta era la que se usaba para entrar a General Pacheco. Fue años después de que empecé a darle lustre a los discos completos. Cuando uno es chico, nos gusta algo puntual y lo repetimos hasta el cansancio (de los demás), porque para uno es un momento tan mágico que pretendemos con la repetición hacerlo perdurar por siempre . 

Mi viejo siguió ligado a la música pero colgó los guantes como instrumentista. El usó el instrumento, el bajo en su caso, como una herramienta de aventuras, como una llave. Así se fue al Perú en el 72 y fue la escusa perfecta, pero nunca fue un músico de oficio. Lo que sí, me inculco al igual que mi madre, el amor a la música desde que tengo uso de razón. Y dejó un disco que es una nave nodriza, con eso creo que hizo suficiente tratándose de un tipo que tocaba el bajo y que no era precisamente un músico formal. 

DI - Cuando terminas el colegio, ¿cuáles eran tus planes de vida? ¿ Que es lo que sucede en esa época? 

Christian en la panza con sus viejos....

Que iba a ser músico no lo decidí, se dio porque se tenía que dar. Ya lo sabía o no lo sabía pero ya lo era. Me fui a vivir a Venezuela a los 12. Primero viví con unos tíos, ya que mi madre vivía de gira, era cantante, luego con ella. Hice casi todo el secundario ahí, tuve algunos profesores particulares de guitarra que me dejaron algunas cosas técnicamente hablando, pero poco a nivel intelectual, me parecían un poco fríos los músicos allá. Al menos los de rock, porque hay muy buen latin jazz, extrañaba ese aire que corría en mis años de Pacheco y era como un niño/viejo, muy nostálgico, escribía poesía, seguí con los discos y muy interesado en descubrir el rock argentino a profundidad. Más allá de estar en otro país me mantenía cerca de esa manera, quizá era una forma de respirar parte de lo que consideraba mi esencia musical, mi ADN, la de mis 'tios postizos', esos que pululaban habitualmente por Pacheco con sus guitarras al hombro.

Tuve un dúo con un baterista con el que grabamos en portaestudio maquetas de temas míos. También le hice suplencia a la pareja de mi madre que es guitarrista en una banda de veteranos del rock venezolano. Toque en un auditorio para 3,000 personas, muerto de miedo. No podía ni mirar al frente, tocamos en un festival temas de Pink Floyd, The Cure, pero yo ya componía mis canciones desde los 13 o 14. Seguramente con quien hice más migas musicales fue con un músico que se llama Carlos Eduardo Reyes y que tenía una banda que se llamaba Claroscuro. Con el empecé a entender la composición. Eramos enfermos de la música. El también componía de chico, tiene unos años más que yo Carlos y hoy vive en Colombia. Acaba de sacar un disco solista, un tipo con talento y mi mejor amigo por esas épocas. Juntos deshojábamos los temas del under mundial, al que teníamos acceso por otro amigo mayor que nosotros que estaba conectado con la música inglesa, islandesa, noruega. No sé de dónde sacaba esos discos, pero era en ese momento la música más honesta y revolucionaria fuera del circuito comercial. Sugarcubes por ejemplo, que fue la primer banda de Bjork, la escuchamos el mismo año que saco su primer disco, Billy Brag, tenía otro amigo (QEPD) de madre brasilera y a través de ella escuchamos toda la maravillosa música del Brasil. Tenia una colección inmensa, Caetano, Gal, Os Paralamas do Suceso… Yo por mi lado en Venezuela descubrí Color Humano, Aquelarre y muchas cosas que en Argentina había escuchado de refilón, como Litto Nebbia, Leon Gieco, todo lo que había hecho Spinetta. Conseguí los VHS de los festivales Barock, como cuando era niño (aunque aún lo era), ya tenía 15 o por ahí, y los vi cientos de veces, en la tele no pasaban nada ni parecido y estaba pendiente de lo que pasaba en Buenos Aires. Tenía mis dealers, así me llego Soda Stereo, antes de que salieran a nivel sudamericano, Juan Carlos Baglietto y otros.

DI - Y como te expones a ese mundo y como decías siempre fuiste músico como que uno absorbe la música de otra manera y desde chico, ¿no? 

Eran otros tiempos en materia de degustación de discos…en mi caso y seguramente en el de muchos que venimos de una generación pre-internet, recuerdo, cuando escuchábamos discos…en el mejor de los casos podíamos adquirir un disco por mes. La radio no pasaba buena música (hasta hoy), por eso debíamos dar en el blanco con total precisión a la hora de comprar uno, para luego darle lustre, exprimirlo o 'gastarlo' como aun algunos solemos decir. Llegábamos a la casa con el cassette, el vinilo o incluso los primeros CDs y le dábamos escucha de arriba abajo, todo el contenido, con énfasis en el análisis profundo de las canciones, en los arreglos, en la ejecución, de los matices de cada rincón visible u oculto del mismo. Chequeábamos la ficha técnica hasta sabernos de memoria aspectos como, quien fue el ingeniero de grabación. Luego relacionábamos otros discos que fueron grabados por la misma persona o por el mismo sello grabador y de esa manera hasta nos podíamos imaginar la sala, el estudio donde estos fueron grabados, los instrumentos que se usaron, el espectro de frecuencias, los armónicos hasta su ultimo decaimiento, le dábamos vuelta al arte del mismo, cuadro por cuadro, infinitas veces, recorríamos en busca de detalles los planos de la composición en la fotografía o en el dibujo, cualquiera fuera el caso, leíamos las letras, las repasábamos, las analizábamos. Recorríamos en la ficha, los músicos invitados y decifrábamos a oreja, en qué momento de la canción hacían su aparición, denotábamos así su estilo, cada escucha era y lo sigue siendo para algunos, un redescubrimiento, estos a mi entender son algunos detalles al presenciar un disco como una obra completa e infinita.

DI - Que diferencia, ¿no? Yo recuerdo absorber la música a un nivel mas intenso que el de la mayoria aunque no tanto como el tuyo pero hoy en día parece que todo es mas desechable....

Ahora está de moda el EP, lo cual no está mal, pero ejemplifica el querer mostrar una idea en vez de tratar de profundizarla, de mostrarla en su real dimensión, sin temor a que se cansen y no terminen de escucharla completa, sin darle el desarrollo total que requiere una visión más general, artísticamente hablando, un concepto. 

Están los demos para internet que en muchos casos carecen de todo trabajo a fondo. Muchos de los cuales suenan precariamente, aún así los suben, los muestran, le ponen nombre,…como un atajo, que es 'como para que se den una idea'…. La red esta sobrepoblada y esquivar esto a veces se hace complicado. Es como cuando queremos escuchar un tema que recordamos y hay 200 pésimas versiones o 20 grupos con el mismo título de la canción o del solista o de la banda. 

DI - Se exactamente de lo que estas hablando...

Los nuevos canales de información hacen que los chicos de esta generación, no terminen de escuchar una canción y pasen a otra y así, en un desfile donde poco es lo que queda a nivel sustancial. Luego si les preguntas si conocen, te dirán que sí. Eso no es conocer, o quizás ahora eso sea conocer, una conversación profunda al respecto, terminaría en 5 minutos, … por ahí nosotros somos unos inadaptados, puede ser, yo lo uso pero con cuidado, en definitiva, me quedo con la clásica manera de degustación sonora.

DI - Jaja, yo también, palabras mas ciertas se han dicho poco.... 

Incluso esto se ha trasladado a los conciertos donde la gente pierde la paciencia, si se toca algo muy puntual, un arreglo elaborado, un matiz bajo con dinámica grupal, muchas veces se aburren, se dispersan, pierden atención y no asimilan el contenido. La mayoría hoy asiste a los conciertos para 'escuchar' todo al palo y en plan fiesta, conversan a los gritos por sobre la música o van al baño más veces de lo normal, chatean, no paran de disparar fotos fuera de foco para subirlas a alguna red social, mientras los 'músicos' tocan…está bien que existan focos para pasar el rato, para desestresar, también es parte como entretenimiento, no es mi escencia, pero lo respeto. El tema está en que el rock y la música en general se hace y se vende exclusivamente como entretenimiento y nada más, de una parte acá y no como un vehículo artístico y cultural, que considero es donde radica su real valor, su trascendencia, es preocupante que todo se esté resumiendo a eso, que haya incluso un aprovechamiento de esto a todo nivel, que se haga apología a la mediocridad musical perdiendo toda hidalguía a la hora de hacer música y acentuando a que cada vez haya menos paciencia para escuchar algo desnudadamente sensible y con todos los sentidos puestos, aún con los volúmenes y la distorsión puestas al taco, o es blanco o es negro, o es pop comercial o la venden de viscerales rústicos con actitud, pues hay MÚSICA MULTICOLOR también… 

Veo el hoy como que la información prevalece sobre el análisis y la inmediatez sobre el pensamiento, atentando así, la parte receptiva y sensorial que está conectada naturalmente con el arte en todas sus expresiones. Pasa con la música, pasa con la literatura, y en general. 

TLON...TLON...TLON...TLON...TLON...TLON...

DI - Con todo esto como que se ha perdido la apreciación a estas artes... 

Yo recuerdo la década del 80, más allá que pasaban músicas comerciales o complacientes, a cada rato tocaban el “Spellbound “ de Siouxie and the Banshees” por ejemplo, ese videos lo vi en la televisión, antes de tener en físico el LP o el cassette y poder escuchar esas canciones en casa, todas las veces que quisiera…Al menos la tele mantenía en uno, cierta expectativa en cuestiones musicales. 

En los 90´s personalmente no me identifique tanto con la música que más sonaba, pero pasaban muy buenas cosas , nuevos sonidos como Radiohead, etc.. 

En los 2000's se vino todo abajo con una camada de chicas prefabricadas, galancetes de salón y gangsters con sus cadenas de oro incitando a la violencia y a la ostentación. Nos vendieron a los latinoamericanos que estábamos en boga y que “Ricardito” era nuestro representante máximo, tras el, una mafia picadora de carne buscando inundar el mercado para la colectividad hispana de Miami y a su vez el manejo de los medios en toda la región, eso pasaban en la ele, en la radio, DESCONEXIÓN, salvo para ver canales de documental, para escuchar música… quedaron nuestros discos. 

Hasta que llegamos a estos tiempos, superpoblados de insípidos programas de “Pase el Siguiente” cual ganado, directamente es mejor darle APAGADO y ya, NO para ver a un tipo cabalgando su caballo imaginario, sobre una pista decadente y sin gracia monótona, el juego más tonto y vulgar de la repetición autómata, el del lavado de cerebro, del no pensar, del no sentirán NADA, en un idioma que ni siquiera es comprensible, no loco. Incluso podemos ver la decadencia de algunos de nuestros iconos de 'las buenas épocas' los intocables, manoseados, usados, en esos “Realitys de Vouyer”, que son la exacerbación del morbo y de quien quiere escapar de su propia existencia. 

Decía una canción venezolana de rock 'la TV no sirve para nada, si solo muestran lo que les da la gana y LA RADIO no puede avanzar, si otras ideas no dejan pasar' y eran los 80´s, ahora estamos mucho peor al respecto. 

DI - Y despues de Venezuela.... 

En el 91, ni bien termine el secundario volví a la Argentina... Y por años me sentía el mas incomprendido artista del mundo. Ya era compositor, pero era chico, mis canciones tenían la misma fórmula o sustancia de lo que hago hoy, rock psicodélico que le dicen, o palabras nuevas como 'stoner', 'hard psych', 'psych folk', etiquetas que le han puesto debido a una sobrepoblación de grupos con un sonido similar, ya que se ha puesto un poco de moda en el mercado independiente mundial. Yo no lo veía así, lo que te puedo contar es que prácticamente nadie hacia esa música. Te hablo de fines de los 80´s y todos los 90´s. Lo mío no era bien digerido en ese momento o por retorcido o por pasado de moda. Así pensaba al menos, incluso grandes gemas del rock mundial eran re-versionadas por sus propios autores al funk, como si con eso las modernizaran. Les metían teclados con los nuevos sonidos que se estaban usando, las querían reinsertar en el mercado, no existía aún el rescate de las mismas como lo que eran, gemas perfectas del arte universal. Era como querer agarrar un huaco preincaico y pintarle encima con flúor. Yo estaba en la onda purista de la canción, acústica y eléctrica, grabé algunas cosas 'demos' que solo le mostraba a mis más íntimos, a los que consideraba más volados, pues creía, en un acto medio tarado y ególatra que nadie las entendería, lo que si muchos de esos temas los grabé en estos últimos años, como “50 siglos” o “Comeflor” de Tlön, “Abstractas” y “Tema Para Orate” de “Fauna” y otros. 

En el '94 armé un grupo con el que toque bastante , tengo una grabación en vivo por ahí , se llamaba “Liturgia”, decíamos que lo nuestro era 'música y poesía' y hacíamos rock pesado con escuela clásica argentina. Nos seguía la gente del barrio, de Villa Pueyrredon, casi como hinchada de fútbol, duró dos años, por esos años me interesaba más explorar por dentro, viajar con la mochila, perderme meses en la sierras de Córdoba o ir a Mar del Plata, sin un mango, a la buena de Dios, sin ningún planeamiento de nada, de un día para otro, quería conocer gente nueva, tocar con cualquiera, experimentar con sustancias, componer para mí, como catarsis, no tenía el bichito de dejar registro alguno, me parecía todo más puro de esa manera. 

Un día pensé en sentar cabeza, que tampoco significo trabajar en un banco, pero si en ponerme a estudiar, para potenciar la parte creativa o quizá para trabajar en los alrededores de la canción como tal. Tres años estudié ingeniería de sonido, cinco años producción musical. Asistí a un montón de seminarios de audio y de acústica y trabajé en un taller de pianos. Soy afinador, de eso vivía hasta el 2001 que se vino todo abajo. Y termine en España. 

DI - ¿Cuantos años pasaste en España de ilegal? Se que trabajaste muy duro pero que fue una experiencia muy rica. Se habla mucho de España y de la mala leche hacia lo ilegales sudamericanos, desde ese punto de vista, ¿que tal fue tu experiencia? 

Me fui a España, no pensé que iba de ilegal hasta que me lo hicieron saber. Llegue a Galicia y me aburrió al poquito tiempo de llegar. Me fui a Palma de Mallorca, donde estaban Los Gornatti, Blanca Gornatti hija de Quique me convenció para atravesar la península y me mandé. Ellos estaban radicando ahí hace algunos años. El tema es que estaba con las justas de plata y alquile un cuarto, con eso me quede casi sin dinero. Un día con 20 euros en el bolsillo como todo capital y sin conocer a casi nadie en medio del mediterráneo, me quede viendo el mar cual Alfonsina Storni, con ganas de mandarme nomás, pero justo conocí a un brasilero que me ofreció trabajo en el puerto cargando mercadería para discotecas, cajas y cajas, de eso consistía la labor, descargar contenedores llenos de cajas pesadísimas a un deposito, cajas y cajas, doce horas por día bajo un sol de 43 grados en la cabeza. Sin protección y ganando una miseria, con un tipo que era un esclavista y nos hacía sentir eso, pero no había otra. Teníamos que comer, éramos puro latinoamericano; un cubano, un brasilero, un colombiano y yo. 

Donde vivía se mudaron unos uruguayos, yo llegaba a la casa roto de desgaste. Tenia meses trabajando ahí y veía a estos de lo más frescos, comiendo manjares, rozagantes y felices, les pregunte que hacían y me dijeron que tocaban en la calle, con un amplificador a batería. Así que ni bien pude me compre uno y eso hice casi dos años hasta retornar a Argentina. Tocaba a diferencia de otros, mis temas, con ampli, micro y guitarra eléctrica. También bossa nova, jazz y alguna versión de rock argentino o Beatles cuando quería juntar más monedas, cantaba y tocaba. Ganaba el doble o más que cargando cajas y muchísimas menos horas. Estuve en Madrid y en Barcelona también, pero fue en Mallorca donde mejor estuve. Toque con medio mundo, me dio un entrenamiento en vivo infernal, toque casi dos años. Todos los dias, digo 'medio mundo' literalmente porque era gente de muchos países. Con Quique Gornatti fue lo último. Yo tocaba solo, pero al final de mi estadía española hicimos un dúo de guitarra hasta que prohibieron en la isla tocar a mas de 80 decibeles, lo que quería decir, sin amplificación y eso dificultaba la recolección. 

Ahí decidí volver a Buenos Aires una vez más y al regresar armé un Centro Cultural donde hacíamos conciertos de diferentes bandas, Producía a artistas amigos, me autoproduje dos discos pero no los moví, los hice para mí. Solo me interesaba ese lugar, generar un colectivo artístico desde allí, exponíamos también fotografía y pintura. 

Christian...en el centro...

DI - Y luego vienes a Perú y para mi la historia empieza ahí porque de repente yo escucho “Lulu Esta Volando” y pienso, '¿de donde salió esto y como es que no conozco a este tipo?' ¿Cuáles fueron las circunstancias y cual era tu plan de vida? 

En el 2006 conocí a una chica peruana y dado que tenia que volver decidí venir tras ella. No obstante y a raíz de que ya habían raíces en Perú, llame a Walo Carrillo quien fue baterista de Tarkus, grupo en el que militó con mi viejo y le comente sobre mi intención de viajar, no sabía si por un año, dos o diez. Los Walos (padre e hijo) ambos bateristas, me invitaron a hospedarme en su casa que tenia sala de ensayo. Les dije para hacer música y eso hicimos desde mi llegada. Más allá de que también he hecho cosas con otros músicos, ellos fueron los bateristas estables todos estos años y los que le pusieron base rítmica y mucho condimento a mis canciones. Era una casa donde desfilaban muchos músicos. Ahí lo conocí a Tavo Castillo (Frágil) a Pacho Mejía (Black Sugar) y otros con los que también he estado tocando y grabando música. 

Walo estaba en la de hacer covers y yo estaba un poco reacio a hacer eso. Tenía una coctelera de ideas propias en la cabeza, pero me convenció de sumarme a Mr. Blues con Pacho Mejia, Chachi Luján y Water La Madrid, banda con la que hacíamos versiones. Yo me ocupé de los arreglos. Era rock de los 70´s básicamente, rock inglés, grabamos un disco, con Walo (hijo) hicimos Lilus junto a Oliver Castillo, con los que grabé también, pero dado a un raye mio lo deseché ni bien nació. Con Walo (hijo) y Oliver sigo tocando después de 7 años. Ellos son parte de la base de La Fauna cuando toco en eléctrico, nos entendemos de memoria. 

Ahí se dio que llamó Alex Nathanson (cantante original de Tarkus) que vive en Estados Unidos, diciendo que venía a Perú por un mes y se nos ocurrió hacer un concierto como Tarkus que al final fueron cuatro y la cosa pintaba para seguirla, pero yo sentía que no era mi grupo, era el grupo de mi viejo y fue lindo hacerlo como homenaje, pero hasta ahí. Aparte con Alex teníamos diferencias de estilo. Walo y yo queríamos hacer algo más pesado, mas en el canal de lo que fue Tarkus y mis temas encajaban con esa idea, así que nos abrimos e hicimos TLÖN.

DI - Todo fue material original...

Rescatamos, si, algunos temas inéditos de Tarkus para el primer disco, con mis arreglos, en la mayoría de los casos me los imaginé, puesto que la base era muy rudimentaria o sonaban trastocadas después de pasar por las manos de Alex, eran temas de Dario Gianella (compositor de Tarkus) y al que considero una influencia fuerte en mi música, pero en el tema autoral no me dí los créditos reales, esto lo hicimos como una manera de continuar ese legado de alguna manera. Metí algunas composiciones mías, grabamos, pensamos que sería el único álbum, pero lo que pasó fue que gusto y los conciertos sonaban increíbles. Nos juntamos con Marcos Coifman quien dominaba el rock pesado y teníamos un trío que arrollaba.

DI - Primer disco...

El disco se vendía, las criticas eran muy buenas y nos ficharon de un sello alemán que nos edito en vinilo y cd. De ahí empecé a ver criticas de muchos países y todas eran exageradamente encantadoras. Eso nos impulsó a grabar otra producción, salió todo un disco en un tirón, lo compuse creo en una semana o dos e inevitablemente hicimos la secuela TLÖN II y de ahí el TLÖN III ya sin Marcos, con Cesar Bustamante en el bajo. Los tres discos fueron editados en Europa por Nasoni, la banda estaba a pleno, hubo conciertos memorables. Fue decisión mía dejarlo ahí. Tres discos en menos de tres años, uno de ellos doble, conciertos y llevar las riendas casi al ciento por ciento me desgastó. Quería tocar con otra gente, en el medio grabe un disco con temas míos con Carlos Vidal (La Ira de Dios) y Walo (hijo) el Van Lacke -Vidal -Carrillo, que edito Urbanoide Records en cd.

DI - Y ahi como que te mantienes ocupado...

Fueron años de mucho vértigo y creía que sería diferente, pero la cosa siguió así. Hasta hoy, no pude parar o no quise parar y no me quejo, me siento feliz de haber dejado estos registros. Luego edité La Fauna Vol I con músicos invitados como Daniel F, Tito La Rosa, la base de Lilus, Tavo Castillo, entre otros. Un disco de canciones sin riffs prácticamente, en el medio Tortuga, trío de rock pesado junto a “Ñaka” Almeida (Reino Ermitaño y Mazo) y el español Jesús Morate y este año, La Fauna Vol II, ambos discos de La Fauna fueron editados en cd por Urbanoide y en vinilo por el sello griego G.O.D Records, el disco de Tortuga editado por Toxico Records también fue fichado por Nasoni, el sello alemán que me edito los tres vinilos de TLÖN. Grabe un disco de bossa nova con Elsa María Elejalde y Jairo Zuleta, con mis arreglos y otro con Caravana Cantante, junto a tres seres que fueron gran influencia en la composición de los temas del segundo Fauna, Julieta Rimoldi, Lucas Giotta y Marcos Rocca, amigos argentinos que estuvieron viviendo en Lima un corto periodo en mi casa y con los que hice una amistad entrañable y para siempre. Ellos también participaron de la grabación del Fauna II junto a gente que admiro muchísimo como Edelmiro Molinari (Almendra, Color Humano), Juan Luis Pereira (El Polen), Manuel Cornejo (Laghonia),etc… 

DI - Se nota un justificado orgullo en lo que has hecho en estos últimos años en Peru y con siete años en ese país y me decías que sentías que tu experiencia está llegando a su fin. Me decías también que habías colaborado ya con todos los músicos que querías. ¿Es hora ya de cambiar de vientos? 

en la fauna...

Fueron 12 discos editados con mis temas, 6 de ellos editados en vinilo en Europa en 7 años y unas 10 producciones para otros en mi rol de productor musical, dos veces fui a tocar por Argentina, una a Uruguay, una por Chile, centenares de conciertos en Lima y provincias. Toque como guitarrista de Claudia Puyó, gran cantante argentina, con Montaña, Magali Luque, Pauchi Sasaki, etc… he sentido el respeto de mis colegas todo este tiempo y te diría que hasta de la prensa especializada. No es un camino de rosas dedicarse a esto por completo, no está profesionalizado y por ende escasea el trabajo serio. Esa es la realidad de un artista por aquí, de uno que no transa al menos y se dedica solo a esto. Más allá que fue el camino que elegí y del que no me arrepiento. Me siento cansado ahora y con ganas de volver a la Argentina para seguir con lo mío. Quizás más relajado, cambiar de canal, volver a mis calles, buscar otras inspiraciones, creo que acá me vengo dando la cabeza contra el techo y que en Lima el techo haciendo estrictamente arte está ahí no más a la vista y ya tengo muchos chichones. Me he dado todos los gustos y he tocado con quienes he querido, nunca busque el tema de las 'argollas', nunca cedí, ni me intereso hacer sociales, conocer gente para tocar en los festivales masivos, que son dos o tres por año y donde siempre tocan los mismos. Tampoco mi música va por ahí. La gente me ha venido a ver a los conciertos, me ha ido bien con eso. Tengo gente que me sigue, que va a escucharme tocar, un público muy fiel e increscendo. A veces hasta me parece muy extraño que así sea, soy muy agradecido de lo que vivo en Perú. Conocí a la planta Ayahuasca acá, una maestra, que a su vez es un portal muy poderoso y que me ha influenciado creativamente hablando y me ha dado otra visión del mundo y del más allá. 

Pienso que este es mi último año completo acá, recién comienza este 2014, tengo algunas cosas que me gustaría terminar de hacer antes de partir. Pienso volver a radicar a la Argentina a principios del próximo año, aunque muchas cosas pueden pasar. Ya lo veo como un hecho, pues siento internamente que cumplí mi ciclo acá, un ciclo cósmico, un ciclo de vida y por ende un ciclo creativo, que es lo más brillante que hay en mí y lo que me mueve, pero siempre volveré, porque también me siento parte de esto. Mi idea siempre a sido Sudamericanista y me voy mas reforzado que nunca con esta idea. 

DI - Despues de tanto tiempo en Peru, que es lo que te llevas contigo de esa experiencia en ese pais? 

AMOR, AGRADECIMIENTO SABIDURIA. Así, en mayúsculas. 

DI - OK, cerrando este ciclo, vamos a jugar un juego. Te doy una palabra y quiero que escribas lo primero que se te viene a la mente, no necesariamente una palabra, sino todo lo que quieras: 

- Invisible – Música del espacio. 

- Color Humano – Un tótem de luz y delirio. 

- Gardel es uruguayo – Es tanguero, da igual donde nació, particularmente me quedo con Edmundo Rivero, el Polaco Goyeneche y Astor Piazzola. 

- Miguel Mateos - NSNC 

- Luca Prodan – Mis respetos, aunque no es lo que más me ha volado la peluca, me gusta lo que hizo. 

- Jobim – Genio. 

- 'Estoy verde, no me dejan salir' – de Charly, un maestro a la altura de los grandes maestros. 

- Guitarra eléctrica – Un puente al más allá. 

- Barba – Ahora tengo, nada en especial, supongo que porque me da flojera estar afeitándome a cada rato. 

- Sudaca – Soy. 

- Arepas de queso – Con queso Guayanés, para el paladar, muchos recuerdos… 

- Borges – Una inspiración en mis letras, seguramente el escritor que más me ha movido. 

- Lima – La Gris, también es mi casa.

Ha pasado mas de hora y media desde que he llegado y aun no hay rastro de Juan Luis. Seria por lo menos media hora mas hasta su llegada. Luego caminaríamos ocho cuadras hacia el este y cinco hacia el oeste hasta la casa del baterista Walo Carrillo. Allí, ellos se compartirían abrazos, se explayarían en charlas cortas y compartirían un huirito asolapado, y sin invitar, antes de empezar el ensayo.

Desde el punto de vista del que esta afuera, no entiende de música, ni tiene oído fino y cuya función es solo ser una mosca en la pared, y ojala, transcribir esa presencia a algún medio, lo que sucedió después fueron 45 minutos de lo que yo llamaría 'la indescribible lucha por la perfección musical'.  El tema que Tlon tocaría con Juan Luis es el emblemático himno de El Polen titulado "Mi Cueva" y requiere cierta comprension síquica entre instrumentistas que reta la sapiencia de mi oído sesgado por el cerote. En Perú, nadie es puntual pero a mi no me gusta quedarme un segundo mas de lo que debería. Así que allí, estancados en los dulces arreglos de "Mi Cueva" me abro... 

SELIM LEMOUCHI (The Devil’s Blood) – 1980-2014

Bueno, esto se veía venir a leguas, pero nadie habría podido presagiar que seria tan pronto. Desde aquella entrevista en su tenebroso departamento en la que hablaba con ojos vacíos de su obsesión con la muerte y de su deseo de llegar a ella por mano propia, era obvio que un tipo tan serio, obsesionado e intenso como Lemouchi no duraría mucho por estos terrenos. Sus influencias musicales Suecas y corta-venosas seguro que no lo ayudaron mentalmente.

Musicalmente hablando Lemouchi parece haber hecho todo lo que creía necesario. Yo no creo que nadie alcance el pináculo creativo antes de los 33, aunque el caso de los músicos metaleros es algo extraño pues la gran mayoría parecen componer sus mejores obras entre la pubertad y los 25, o entre sus tres primeras grabaciones. Por ese lado Lemouchi encaja y no encaja. Suena injusto tacharlo de guitarrista metalero aunque sus obras mas influyentes definitivamente calaron mas profundamente en esa escena. Además, sus tres principales trabajos llegaron en línea y relativamente temprano; Come Reap del 2008, The Time of No Time Evermore del 2009 y The Thousandfold Epicentre del 2011. 

Sus trabajos post-The Devil’s Blood no causaron gran revuelo, y causaron en mi una minima impresión y las ganas de presenciar una reformación de The Devil’s Blood. Aunque pensadolo bien mejor es así, el hombre vivió y murió bajo su ley y su corto legado es intachable y sin compromisos.

Lemouchi dejo tres de mis grabaciones favoritas para la posteridad. En especial Come Reap, aquella impresionante introducción de cuatro temas de refrescante sonido revival, especie de reinterpretación macabra del rock sicodelico setentero. Es a través de estos que lo recordare; rítmicos y hechizados ejercicios musicales, arreglos vocales que confunden por su melodioso delivery y su chocante y poético contenido lírico y en especial por sus orgiásticas guitarras hard-rockeras que parecen querer llegar al cielo, mas que seguro con ganas de calentarlo con toda su fuerza infernal.

DANZIG en Vivo - o ¡Traiganme a Ese Conchesumadre!

Apenas pasamos por los alrededores se escuchaba la bulla de una de las bandas que abría. A la distancia y distorsionados por el viento me pareció escuchar a Down, pero la realidad era mucho mas fea. Mucho, muchísimo mas fea. 

La banda que a las ocho de la noche desparramaba un metal genérico era un quinteto de Texas que mas se distingue por el tamaño y radio de la cintura del ancho de un ula ula de su vocalista que por su música. Se llaman Texas Hippie Coalition y parecen estar estancados en la peor época metálica de los últimos años; aquella que vulgarmente cruzaba dos de las mas sangronas vertientes; el groove metal que solo le ligo bonito a Pantera y el nu metal que no le ligo bonito a absolutamente nadie. Pero a la distancia y fltrados por la brisa que solo dejaba pasar la distorsión de la guitarra y bloqueaba la voz del bodoque Big Dad Ritch y la batería de quien chucha, yo solo escuchaba ‘chacachacachaca’. ‘Puta madre’, recuerdo haberle dicho a mi compañía, ‘ojala que esa huevada no sea Danzig.’

Y no fue. Eso lo confirmamos cuando caminando hacia el recinto al aire libre del Cuban Club pasamos junto a un tour bus que tenia la puerta abierta. En la vereda, dos fan boys con camisetas de The Misfits miraban nerviosos y enamorados hacia el bus. Junto a ellos un mastodonte de 400 libras y dos metros y medio de altura con pinta de indio Apache y con cara de muchos enemigos registraba cada movimiento a su alrededor. 

Al pasar pudimos ver a Glenn, todo chiquito y apretadito, sentado en el asiento del conductor y encorvado, con sus pies de puntitas y con dos portadas de vinilos que estaba firmando sobre sus rodillas. En ese ángulo podíamos notarle la mocha calva con un mechoncito adelante que le caía por en frente del rostro. ‘Aun tiene su devil lock’, pensé mientras mi pareja me decía, ‘¿a ese gordo cara de verga hemos venido a ver?’. No tanto como caldeado respondí, ‘Es que no entiendes cucha, Danzig es una leyenda, uno de mis tres cantantes favoritos de la música pesada y de voz natural. El Elvis diabólico, el petizo satánico, el machito bronquero, el pichoncito de pelea, el que cantaba ’I got something to say, I killed your baby today'. ‘¿Porque no le dices que te firme algo entonces?’, pregunto con cara de burla, a lo cual respondí que no quería porque no me interesaba y le di un corto discurso sobre como hay que separar a la gente de su música y como hay que adorar el arte y no al artista. Además no había traído nada para que firme, puse en claro, ninguno de sus clásicos punk con The Misfits que tanto escucho, ni de sus discos compactos de blues endurecido y hard rock con Danzig que tanto atesoro. ‘¿Que firme esto entonces?’, argumento MC pasándome un papel en el cual habíamos impreso las entradas que habíamos comprado a mitad de precio a través de Groupon y que dicho sea de paso, incluían un trago gratis y el derecho a saltarse la cola. ‘No tía, mucha vaina, vamos no mas’, dije sintiéndome una vez mas como el mocoso chupado de mi niñez que prefiere no hacer nada por temor al rechazo. Entonces MC se volteo y se dirigió hacia el bus con paso asegurado en esas botas de plataformas que tanto le gustan, hacia el gigante guardaespalda con los brazos cruzados que ya despachaba a los dos fanboys y que al cuarto paso la noto y grito, ‘muy tarde, después del show, después del show’.

Adentro del recinto recién pude apreciar el desastre con grasa que es Texas Hippie Coalition. Música de ese calibre a mi me avergüenza, así de simple y se lo aclare bien a MC, ‘esto no es metal, esto es, esto es…’ , sufria para encontrar palabras para describir a este cuarteto pero al final algo me salio por la jeta, 'esto es…una puta mierda, mejor vamos al bar’.

Y al parecer gran parte de la audiencia se identificaba con ese sentir. Con un promedio de edad de 35-45, gran parte de los asistentes podían distinguir bien entre una nota pesada y bluesera, entre un riff de Doyle bien punkorro y entre rock sureño mediocre con una elevada cuota de nu metal. Así que la mayoría bebían por detrás, charlaban entre amigos e ignoraban a la banda de turno.

Pero los que seguían no serian mejores. A las Butcher Babies nunca las había escuchado, pero si me había enterado de su existencia debido a una solida maquina de marketeo que expone los pechos perfectos y las largas piernas lampiñas de sus dos vocalistas en todas las revistas de rock que se venden en los supermercados. Lo que tocaron esa noche era digno para mocositos de pantalones anchos que se quedaron en Limp Bizkit. Esta banda defeca el peor metal posible, nu metal con riffs de una sola nota y dos tipas que gritan al cielo con voz estridente y como gatas en celo que buscan y rebuscan pinga.

La respuesta de la audiencia fue similar a la recibida por Texas Hippie Coalition, aunque esta vez algunos parecían entretenerse con los pechos apretados de las chicas, con sus minifaldas que ya mostraban calzón y con sus tacones altos que apoyaban sobre los monitores como invitando al mundo a su concha caliente. Yo una vez mas, me mostraba avergonzado, ¿como es que Danzig, un tipo que ha escrito tantos clásicos de rock duro puede permitir que bandas de este vuelo le abran el show? ¿Porque castigar a la audiencia? No somos masoquistas chucha. 

No se si es cierto, pero por ahí leí que es vox populi que para abrirle un show a Danzig no hay que demostrar ninguna cualidad musical ni ser su artitsta favorito del año, sino que hay que desembolsar fuertes sumas de dinero. Seria una practica avergonzante pero justificaria la presencia de estos dos bodrios, porque no es posible que el autor de "Left Hand Black", "She", "How the Gods Kill", "Teenagers From Mars", "Bullet", "We Are 138" y "TV Casualty", entre docenas de otros títulos que encuentran rotación constante por estos lares, apruebe de este par de cacas.

Danzig salio al escenario a eso de las 10 de la noche. El recinto estaba casi lleno, calculo con por lo menos 1500 personas, todas, previamente alertadas de que estaba estrictamente prohibido tomar fotos.  Raro no me pareció, porque es conocido que Danzig es un tipo especial, antojado y hasta engreído, pero cojudo si, en una época en la que los celulares están equipados con cámaras de alta definición y se han convertido en extensiones de nuestras extremidades pedirle a 1500 adictos que se abstengan de usar sus teléfonos mobiles es tan futil como pedirle a un quinceañero cachondo que no se haga la paja.

Danzig ya bordea los 60 años y su cuerpo una vez musculoso y de ligero epidermis grasoso esta dando ya muestras de que la combinacion se ha revertido a grasoso con una ligera epidermis de músculos. No ayuda que Glenn no se ha cambiado de atuendo desde que salio de The Misfits en el 87. Su camiseta negra al cohete exponía sus 'mantits' de pezones erectos y su panza de adicto a los videojuegos, sus jeans negros estaban tan apretados que mas parecían pintados sobre sus piernas. En su pecho una ornamentada cruz invertida le colgaba como un péndulo y yo aprecie ese gesto terco de no arrepentirse de sus infamias aun cuando ya esta casi en su sexta década. Mas que eso, lo que capto mi atención fueron los huecos en el área axilar de su camiseta negra.

Pero su voz estaba intacta, aun aterciopelada, aun romántica y aun oscura, aun poderosa y deudora de Presley y su banda, casi tan veterana, estaba en forma. En la guitarra estaba Tommy Victor de Prong, en la bateria Johnny Kelly (Type O Negative) y en el bajo Steve Zing de Samhain; todos enlutados, todos medidos y sin demostrar mas de la cuenta porque este, no cabe duda, es el show de Glenn y estos temas que todos, toditos, vinimos a escuchar fueron escritos por Glenn.

El repertorio fue impecable, cubriendo temas claves de todos sus discos y felizmente con menor énfasis en sus grabaciones menores como Blackaciddevil y 6:66 Satan's Child. Mejor aun, este tour del 2013 trae la yapa mas grande que se le puede ofrecer a un fanático de The Misfits; la efímera presencia del invitado especial Doyle, aquel escultural saco de plomo que no muestra señales de envejecimiento alguno.

Pero un concierto de Danzig sin incidentes es un concierto de alguien mas y no de Danzig. Nosotros nos habíamos colocado al frente, tirados a la izquierda y casi empujando la barrera de contención. Entre esta y el escenario estaban los bouncers que cuidadosamente seleccionaban quien podía ocupar ese bendito espacio. En este caso era un muchacho en una silla de ruedas y en frente de el una groupie de tetas fabulosas que le bloqueaba la vista y que durante todo el show no paro de saltar y de moverse como striptisera. Los bouncers por su lado tuvieron una noche ocupada con la tracanada de flashes de la audiencia el show se convirtió en una recatafila de amenazas entre estos y miembros del publico que osaban querer guardar una memoria física de Danzig. Pero era este mismo el que se cabreaba ante tal osadía, haciendo malas caras en medio de temas y entre estos insultando a aquellos que hacían click y pidiendo sus cabezas con gritos de, 'traiganme a ese conchesumadre' y '¿que crees que estas haciendo homosexual?'.

Eran casi las once cuando Doyle salio al escenario y la audiencia se volvió loca. Los riffs sonaban perfectos por los parlantes pero fue Victor quien parecia mas preocupado de eso. Doyle por su parte mas parecía darle de golpes a su guitarra con el puño cerrado y hacer poses hacia la audiencia, caminaba como un cangrejo, coqueteaba con Glenn y se balanceaba en botas que lo hacían ver de tres metros. El set de clásicos de Misfits no me convenció tanto, yo esperaba mis temas favoritos, "She", "Bullet", "Some Kinda Hate", "Last Caress" y otros, pero mas resonaron canciones de las cuales yo siempre había pasado. A diferencia, la audiencia coreaba, cantaba cada letra con pasión, se las sabian todas de paporreta, buena señal que The Misfits tienen un catalogo tan solido que un fanático ya sasonado como yo aun tiene que investigar mas a fondo.

BLACK TRIP - Este Post No es una Cana al Aire

Inicialmente la idea era ofrecer un enlace de descarga de este siete pulgadas pero ni siquiera una búsqueda a fondo en Soulseek dio con los resultados esperados. Así que no me quedo otra opción que ordenar este pedacito de plástico directamente de la disquera Primitive Art Records y sino me quejo por el precio que pague es porque estoy de buen humor.

Lo que inicialmente me llamo la atención de Black Trip fue la melena ensortijada y los bigotillos del vocalista Joseph Tholl, flacucho a quien algunos conocerán como el bajista de Enforcer. Ademas también me llamo la atención la cuidada presentación de este disco, pues grita ochentas con total desfachatez. Cuando se grabo Tvar Dabla, el único otro participante en Black Trip era Peter Stjarnvind, veterano con un curriculum de envidia que incluye banduchas como Crux, Pest, Entombed, Nifelheim y otros.

Black Trip suenan como se ven, hard rock/heavy metal ochentero lleno de ganchos, con guitarras que se disparan premeditadamente pero que lo hacen con gusto y con vocales de registro alto que se auto controlan porque sus limitaciones son obvias. Este tema se titula "The Sleeper" y yo no me puedo sacudir ese riff que lo abre. Lo he escuchado tantas veces, antes y tocado por otras bandas y aun asi, suena tan bien.

Hace menos de un mes Threeman Recordings edito el primer larga duración de este hoy quinteto sueco. Se titula Goin' Under y aun no lo escucho pues Soulseek tampoco ha dado buenos resultados con esa grabación. Esperaremos pues a que alguna distribuidora local lo importe, mientras habrá que conformarse con Tvar Dabla y como da vueltas en el tornamesa. 

OUIJABEARD, Die and Let Live (High Roller, 2012)

He aquí otro disco atascado en el tiempo, congelado en esos grises días de viento ártico y refrendado para los efimeros oídos contemporáneos. Para los anónimos de Ouijabeard los últimos 23 años de metal bruto no existen, ni en estilo, ni en pesadez. Pesadez que vale decir no es la meta, ni el propósito de este heavy metal conservador. 

Como aquellos guerreros de pantaloncillos apretados de la época, Ouijabeard no son una banda de heavy metal con un burdo propósito. No es de su interés ser mas pesados y chabacanos que los gringos, o mas rápidos que los finlandeses o mas vulgares que los italianos, o mas olorosos que los franceses. La brutalidad no tiene relevancia y la cochinada guitarrera es seguro parte de la colección de cada miembro, mas no del repertorio de este proyecto. Y digo 'proyecto' porque lo mas seguro es que detrás de esta banda se encuentren cuatro blackmetaleros de aquellos que se emborrachan con sangre de carnero degollado y culean perros y gatos solo por diversión.

Como bien lo hizo la escuela de King Diamond en sus buenas épocas, la idea es rellenar acetatos enteros con cortes compactos y memorables, presentar orgullosas composiciones donde brillan las guitarras con tajante vibra, sino por melosos riffs al menos por articulados punteos de guitarras e inverosímiles ángulos vocales. Como otros que pululan por ahí y que han hecho buen negocio del metal mas clásico, Ouijabeard se adhieren estrictamente a una dieta de armonías dobles y de voces dotadas de claridad.

Es fácil divisar este Die and Let Live  como un futuro clásico de culto. Paso desapercibido en el 2012 cuando fue editado por High Roller, pero tiene suficiente cancha como para permanecer en la punta de la lengua de los hinchas que lo elevaran por su pegajosa consistencia en una próxima década. Cortes como el que casi cierra el disco "Keep the Streets Empty for Me" poseen una indeleble y eterna cualidad musical que trasciende épocas y modas.

Pero no nos proyectemos, por ahora Die and Let Live  esta destinado a la semi oscuridad porque la cuota de heavy metal retro ya esta cubierta por Ghost.

((Muere y Deja Vivir))

NO REGRETS - ACE FREHLEY Odia a GENE SIMMONS Con Todo Su Poder Espacial

Ace Frehley y yo tenemos algo en común; una gran aversión hacia Gene Simmons, un disgusto con su flagrante chauvinismo, un desencanto con su oportunismo de mercader desesperado y un gran desagrado con su actitud condescendiente. Como No Regrets bien lo describe y a sabiendas de todo el mundo, Simmons es primero un codicioso e inescrúpuloso hombre de negocios, segundo un eterno depredador sexual siempre al acecho del coño mas fácil y en un muy distante tercero, un artista y/o un músico, o según algunos, una imitación del uno o del otro. 

A través de 300 paginas, Frehley lo deja bien claro; Simmons y el son polos opuestos, humanos que bajo cualquier otra circunstancia no hubieran pasado mas de un minuto de la vida juntos, pero como la historia dispuso, fueron destinados a tocar en una de las mas icónicas bandas del rock, a grabar discos que venderían decenas de millones de copias y a cruzar la linea imaginaria entre la música como expresión o arte y la música como objeto vendible en tiendas de juguetes para niños. Segun Frehley, fue esta ultima la razón principal de su salida de Kiss, el disgusto que como artista nato sentia al ver que el rock and roll que el tanto había querido desde niño se veía bastardizado por el excesivo comercialismo de Kiss. 

Esto segun Frehley, no se limitaba a la venta de productos relacionados con la banda, sino que se extendía al escenario, lugar donde cada paso de los integrantes era ensayado hasta el hartazgo, pues con tanta pirotecnia el incauto mal parado podría volar en pedazos. Kiss se había convertido pues, en una banda donde la espontaneidad no tenia lugar, y donde el salvajismo del rock and roll era fingido. 

Y esto se transfirió a los propios discos. El super exitoso Alive! de 1975, fue lanzado como una grabación en vivo, pero según Frehley, es practicamente una grabación de estudio donde casi el único elemento espontáneo son los gritos grabados de la audiencia. Y la ridícula idea de filmar una película llamada Kiss vs The Phantom of the Park fue quizás la gota que derramo el vaso. No solo Frehley se opuso a la idea, sino que al ver su debut actoral ser reducido a una serie de expresiones faciales, el hombre espacial cacha la idea de que su rol en Kiss seria cada vez menor. En una hilarante conclusión a este episodio filmico, la banda sin aviso alguno decide reemplazar a Frehley con un negro bien maquillado. 

Pero No Regrets no seria posible sin los vicios de Ace. El alcohol y las mujeres fueron pasiones casi tan tempranas como la guitarra. Mas tarde llegarían las drogas, substancias que durante los 70’s se consumían abiertamente en New York y de las cuales Frehley se hizo adicto tan pronto como adquirió millones. Luego vinieron las peleas, los automobiles y la velocidad, accidentes que mas de una vida podrían haber costado e incidentes con la policía de los que en mas de una ocasión Frehley no paga culpa por el simple hecho de ser quien era; guitarrista de una banda que era mas show que música. 

La conclusión todos la conocemos; a su salida de Kiss, Ace forma los intrascendentes Frehley’s Comets, lanza algunos discos y prosigue con su alcoholismo y drogadicción. Kiss se quitan la pintura y sufren un bajón en popularidad cuando el publico no encuentra nada entretenido en la cara de ama de casa de Paul Stanley y en las facciones de ogro de Simmons. Miembros van y vienen y en los 90’s se anuncia una reunión de la alineación original. Millones se hacen en conciertos, muchos mas en chucherías (ataudes, urnas para cenizas humanas, loncheras para colegiales, calzones, etc, etc) pero a poco a poco las malas vibras resurgen y Frehley es una vez mas reemplazado y sus contribuciones creativas son minimizadas en publico por Simmons. 

Lo bueno de No Regrets es que no pierde cizaña en sus ultimas paginas. Estas son dedicadas a aclararnos tres puntos; 1 - Frehley parece haber vencido sus demonios y las drogas ya no son gran parte de su vida, 2 - como guitarrista Frehley es tan influyente como sus idolos Clapton y Hendrix y 3 - Gene Simmons es y siempre sera un gran hijo de puta.

DARK QUARTERER, Auto-Titulado (Label Service, 1987)

Estos italianos me recuerdan en sonido un poco a Manilla Road, aquella banda épica cuyo Open the Gates mi hermano tenia en vinilo y no me dejaba pero ni echarle una mirada.

Recuerdo muy bien el impacto que la portada de ese disco tuvo en mi (esas arañas con cráneos y colmillos rojo sangre me daban mello, mucho mello), recuerdo también estar impresionado porque la edición de la casa francesa Black Dragon no era en gatefold pero contenía dos vinilos. Otra cosa que recuerdo es no poder pasar del tercer tema “Astronomica”. Todo me sonaba muy lento e indigerible aunque ahora que lo pienso es posible que el tocadiscos haya estado fijado en las revoluciones equivocadas. 

Aun pienso en ese disco y me pregunto cual habrá sido su destino. Un maldito día desapareció de la colección de mi hermano como por arte de magia y nunca mas lo volvimos a ver. Hace un par de años le pregunte si sabia que había pasado con el disco y me respondió, ‘Vanila que?, No los conozco.’

Hoy en día copias de esa edición de Open the Gates se subastan en eBay por $100. 

Los Tuscanos Dark Quarterer por su parte se juntaron en el ’75, dos años antes que Manilla Road y yo nunca escuche de ellos hasta hace unos años, cuando su actual casa disquera My Graveyard me enviara una copia promocional de Symbols, su álbum del 2008. 

Dark Quarterer practican un sonido metalero bastante tradicional; sus temas son épicos pero concisos, melódicos y románticos pero para nada acabronados, ni cursiles. Y aunque los arreglos son humildes y simples, temas como “Gates of Hell” capturan ese espíritu batallesco que el genero siempre intenta proyectar. Gran parte del credito se la merece el guitarrista Fulberto Serena cuya facilidad para reflejar la identidad ritmica de un tema en solos apoteósicos es impresionante. 

A la producción le falta mucho. Ningún instrumento suena con el poder debido y la guitarra carece de punche y distorsión. La bateria suena un poco hueca y aunque la performance del lider y vocalista Gianni Nepi es emotiva y de hilarante registro, su voz también se siente distante. Es posible que la reedición del 2012 de este gran debut cancele esos problemas, pero el enlace que aquí sigue es de un ripeado del vinilo original.

((Los Italianos Lo Hacen Mejor))

RANDY HOLDEN, Population II (Hobbitt, 1970)

Al parecer este disco dejo tal marca en Randy Holden, que luego de su lanzamiento y eventual caída en la semi oscuridad comercial, el ex Blue Cheer dejaría la música por completo por mas de veinte años. Suena romántico, aunque la realidad quizás sea mucho menos idílica.

Population II, que vale aclarar es el nombre de este proyecto con el baterista Chris Lockheed y no del disco, fue grabado en el '69, inmediatamente después de que Holden saliera de Blues Cheer y fue el resultado de sus frustraciones artísticas.

Al parecer Population II es un álbum reaccionario, donde Holden por fin toma las riendas de su carrera y deja que su instrumento exprese todo lo que fue acallado durante su corta permanencia en bandas como Blue Cheer, The Other Half y The Fender IV.

Y que manera de soltarse! Aquí Holden habla, insulta y hasta recita poesía con un diestro manejo de la distorsión y las notas mas profundas cálidas de ese lado dañado del blues. Llamemosle proto metal, pero también proto stoner rock y proto doom, pues el paso aquí es letárgico y las imagenes que temas como "Fruit & Iceburgs" invocan son producto del degenere post-hippie; romanticismo desencantado y contestatario, melodías azules y líricas alucinadas llevadas por el ácido y elevadas por la popularidad de la hierba.

Uno no puede ser despectivo con el legado de Blue Cheer, pero este Population II no tiene nada que envidiarle al Vincebus Eruptum. De hecho, inicialmente en el tema "Borrowed Time", Population II suenan exactamente como ese clásico, pero poco a poco dejan la piel y agarran vuelo propio, aunque vale decir que el sonido aquí es uniforme.

Hay un tema llamado "Guitar Song" que es un coqueteo hipersexual entre Holden y su guitarra. Las letras no pueden ser mas directas, - 'i love the sound of the guitar player, and i love the way it makes me feel inside' - y dejan poco a la imaginación. El blues adentro es simplemente magistral. Da pena pensar que algo tan dulce, bucolico y triste llevara a Holden a la bancarrota y de ahí a que dejara la música por mas de dos décadas.

((Población Solo 2))

PLACERES CULPABLES: CHRIS HOLMES (W.A.S.P.) "They All Lie and Cheat"

El nuevo video del ex-guitarrista de WASP Chris Holmes es quizás el mejor pedazo de publicidad anti-drogas que se ha creado en toda la historia. Proviene del primer sencillo de su nuevo disco Nothing to Lose y se titula "They All Lie and Cheat", titulo que se traduce a ‘todos mienten y hacen trampa’, frase que al parecer no solo hace alusión a su poca fortuna con miembros del sexo opuesto, sino también a su pésima relación con su ex jefe Blackie Lawless, el archi-conservador líder de los una vez muy deschavados W.A.S.P.

Cuando yo era un mocoso W.A.S.P. eran una de las pocas bandas que me importaban. Para mi, en lo que a estilo se refiere se comparaban con Motley Crue y siempre creí que Motley Crue eran una cagada. Recuerdo claramente la impactante impresion que su tema "Wild Child" tuvo en mi, aquel vídeo con la banda tocando en un escenario posicionado frente a una imponente pared de roca desértica era mi favorito. 

En ese entonces Blackie Lawless era un provocador al que a veces se le confundía con la bruja Elvira, una vulgar amenaza para los conservadores que se afianzaban a las morales y creencias del siglo XVIII. O al menos así lo creímos todos. Todos aquellos que han visto el documental The Decline of the Western Civilization Parte 2 podran atestar por Chris Holmes como el verdadero rebelde de W.A.S.P. El rubicundo guitarrista, cuya entrevista en una piscina hace que el documental valga la pena, tiene las escenas mas memorables. Quien podría olvidar a Holmes, quien después de echarse toda una botella de vodka en la cara dice entre lineas mal pronunciadas, ‘disfruto de la bebida, disfruto de la vida, soy el hijo de puta mas contento de la tierra’, esto mientras su madre visiblemente avergonzada lo mira perpleja. Y como responde Holmes a la pregunta, pero porque te emborrachas tanto?, pues con un resonante ‘el alcohol es lo único que te liberara’. 

Bueno muchachos, juzgando a Holmes por su ultima grabación y por el video que la acompaña es justo asumir que el guitarrista ha tenido una vida muy dura desde entonces. Holmes parece haber envejecido 40 años desde los 80's y su pinta de rockero salvaje ha pasado a ser mas cercana a la de un basurero después de una larga jornada. Joder, mirenle los pantalones! Al parecer Holmes no tuvo ni siquiera la decencia de ponerse unos jeans limpios. 

Pero lo mas fácil seria seguir criticando a Holmes por su desgarbada facha, pero como me considero un poco mas sofisticado no mencionare ni su dentadura de fumon de crack, ni su cabello pintado color Medium Brown de L'Oreal, sino que me enfocare en la música y en el elegante video que acompaña a este sencillo. 

“They All Lie and Cheat” es un power ballad confesional en el que Holmes admite haber sido un imbécil con las mujeres. Al parecer ellas, y no las drogas ni el alcohol, son la razón de que su cuenta de banco este en negativo y su carrera artística en el basurero.

El toque genial de "They All Lie and Cheat" es la voz femenina, grabada me imagino por alguien con cero experiencia artística y una sordera en un oído. La lírica en cuestión profiere insultos ('cocksucker, asshole, gimme your checkbook bitch!') con descaro y le da al tema un toque teatral. Es algo así como escuchar una versión cuasi metalera de un clásico de Pimpinela en ingles. 

La fuerza del tema la pone el mismo Holmes en el coro, gritando el titulo del tema justo en el momento en el que la música se pone heavy. Aunque no tanto. Las guitarras suenan débiles y desafinadas. El punteo del comienzo es desconcertante, acaso un consumado músico como Holmes no se da cuenta que sus guitarras suenan como una afeitadora eléctrica y que sus punteos están comprendidos de notas que no tienen ninguna relación entre si?

"They All Lie and Cheat" es simplemente atroz y avergonzante. Es usual que un artista cometa errores en ciertos aspectos de su música, pero nunca en mi vida había escuchado un tema en el que absolutamente NADA funciona. Nunca hasta la primera vez que escuche esta canción. 

Pero como esta pequeña tragedia tenia que convertirse en catastrofe, alguien pensó que seria buena idea filmar un vídeo. Hay dos cosas que una banda necesita para filmar un buen vídeo: 1) ideas y 2) dinero. El presupuesto de "They All Lie and Cheat" dudo que haya sido de mas de $9.99 y la mitad de eso me imagino fue para pagarle la actuación a la panzona que lo protagoniza. Y la idea me imagino que tiene que haber sido humillar a Holmes. 

Lo primero que uno nota es la sabana verde que sirve de fondo. Lo segundo que uno nota es la actuación de Holmes, quien al parecer ni siquiera hace el intento de seguir las notas con la guitarra acústica. Holmes no es un natural de la actuación, pero su performance mejora de a pocos. Cuando la cámara enfoca su demacrado rostro y recita sus lineas, Holmes parece canalizar a Marcel Marceau con ciertas mimicas. Por ejemplo, observen su movimiento de dedos simulando a unos pajaritos en el segundo minuto con 11 segundos. Brillante! U observen en el segundo minuto con 40 segundos cuando Holmes esta siendo resondrado por Julia Roberts y se pone las manos en los bolsillos, olvidandose asi de tocar la guitarra. Impactante! Y no se pierdan la ultima toma, en la que un jugueton Holmes mueve sus ojos como si fuera un dibujo animado de Warner Brothers al cual le acaban de martillar el chicote. Desconcertante!

De acuerdo a los creditos a cargo de la produccion y la bateria estuvo el ex-Motorhead, Phil “Philthy” Animal Taylor, pero estoy seguro que en este tema lo que se escucha es un drum machine que necesita ser recalibrado. Es difícil culpar a Taylor, después de escuchar este tema, yo también me hubiera hecho el enfermo. 

Así que ya saben muchachos, a la droga y al trago diganle No. Sino, quizás corran el riesgo de terminar como Chris Holmes. 

BABYLON WHORES, King Fear (Necropolis, 1999)

Fundado en 1994, las leyendas de culto del death rock de Helsinki Babylon Whores han visto su popularidad crecer de forma pareja. Llamenlo heavy metal o rock and roll, una cosa es cierta, esto apesta a una locura rancia o a una dulce maldición.  Todo sucio, con guitarras crujientes y vocales que parecen salir de un Elvis infernal, esto es musicalmente diverso y aun asi alardea con una integridad temerosa. Liricamente, el sarcasmo venenoso y oscuro de Babylon Whores es el libro de entradas de un arco de tontos en busca de un significado perdido, reflejando el mundo a través del oculto oeste y las tradiciones filosóficas. Estamos hablando de algo maldito, rock and roll apocalíptico, desde Tupelo hasta Meggido.

Inicialmente bajos las alas de los infames de Misanthropy Records, Babylon Whores continúan volando cabezas en Necropolis, quienes rápidamente ficharon a la banda luego del cierre de Misanthropy.

Con King Fear la banda regresa con un álbum que es un monstruo. Decadente y mistificante, King Fear le da substancia al sueño afiebrado que el escuchador necesita para forjarse por si mismo; aqui no hay una solución simple. En lo que a malos viajes se refiere King Fear es uno de los mas gratificantes. Agarrando momentum desde el sarcasmo amargo de "Errata Stigmata" y extendiéndolo hasta el apoteosico tema titulo.....  Grabado en subterráneo y mezclado en un estudio de primera, el muro de sonido presente en este álbum es nada menos que extraordinario, y poco convecional cuando se acerca a su fin. Hasta la participación del abuelo del  space rock Nik Turner tiene sentido. Y cual es el punto de todo esto? 'Consumar una profecia del siglo XVI', la banda responde, 'es un trabajo sucio pero alguien lo tiene que hacer.'

Liricamente y musicalmente, es una bestia saludable, partes de las cuales son duras, sino imposibles de separar. Recuerden que estos muchachos mezclaron su disco debut basados en una base numerologica. Paradojicamente, podemos encontrar un álbum conceptual, en la mejor tradición de los 70's y por otro lado encontramos un consistente paquete de canciones de rock. Muchos tesoros extraños serán descubiertos en el viaje de estas putas hacia lo arcano, aun otros se adentraran mas en las sombras. Tomalo como quieras, a ellos no les importara, ni cesaran hasta que las estrellas se alineen de nuevo. 

Traducido con dificultad del press kit original de Necropolis Records, 1999.

((Rey Miedo))

NORRSKEN, Casi Todo (Auto-Ediciones, 1996-99)

Yo amo a Graveyard. Tu amas a Graveyard. Nosotros amamos a Graveyard. Yo Amo a Witchcraft. Tu amas a Witchcraft. Nosotros amamos a Witchcraft.

O, yo odio a Witchcraft. Tu odias a Witchcraft. Nosotros Odiamos a Witchcraft. Y yo odio a Graveyard. Tu Odias a Graveyard. Nosotros Odiamos a Graveyard.

Sea como sea, tu estas en uno de esos cuatro grupos. Y si no eres parte de ninguno de esos grupos entonces considerate como un desentendido. O asumo que haz estado en estado vegetal durante los últimos seis años.

Y si ese es el caso y lo único que te gusta es la onda brutal, entonces te recomiendo que te esperes hasta el próximo post.

Y si te gusta la onda stoner, o el blues, o el doom avejentado y no conoces ni a Graveyard ni a Witchcraft pues sugiero fuertemente que desatores tu cabeza de tu ano.

Norrsken es para muchos de los entendidos donde todo comienza. Donde las dos bandas mas magistrales del remedante genero del blues-stoner-doom se inician. Estos son pues los primeros pasos, los pininos, el gran desvirge de lo que seria Witchcraft y Graveyard.

El enlace que abajo copio incluye lo que es hasta donde se, todas las grabaciones de Norrsken con excepción de la primera maqueta auto-titulada del '96.

Dentro podrán encontrar cuatro carpetas; una es el Hokus Pokus, segundo demo de cuatro canciones que también data de 1996 y que nos presenta a una banda algo cruda pero con un gran sentido de lo que constituye el blues duro. Esencialmente, eso es lo que Norrsken hacían; rock duro y crudo, blues que aspiraba a tener espiritu, música negra interpretada por escandinavos que aun no entendían lo que era tener un pasado de penas y que quizás, aun tampoco descubrían los placeres de Black Sabbath.

En las voces estaba Joakim Nilsson, el rasposo vocalista de Graveyard, aquí sonando como un adolescente de grandes aspiraciones, en el bajo Rikard Edlund también de Graveyard, en la batería Kristofer Sjodahl quien formaría los demasiado quietos Dead Man y en las guitarras nada menos que Magnus Pelander, el hechicero, brujo, curandero, doctor y científico detrás de Witchcraft.

En otra carpeta y con peor calidad de audio podemos encontrar el sencillo del '99 de dos temas que incluye "Little Lady" y "Armageddon", temas solidos donde Nilsson se acerca un poco a su registro actual, pero donde principalmente y claramente podemos percibir el cálido guitarreo de Magnus Pelander, quien aquí es el único que le da a las seis cuerdas. La música es soberbia, las capacidades de los músicos están en evidencia y en "Little Lady" como que Pelander quiere canalizar a Ritchie Blackmore con un delicioso juego de escalas armoniosas.

En la carpeta titulada Bastards Will Pay podemos encontrar un cover del "Psalm 9" de Trouble que fue incluido en un disco tributo. El corte es peculiar, reina el bajo o una guitarra que suena como bajo, y las voces tienen un registro bastante alto. No suena como Nilsson. Escuchen el punteo, la delicada finesa de Pelander esta en evidencia y el pasaje lento de flauta es capaz de transportarte a los pastos verdes de algún campo remoto.

La genial canción "Pilot" esta en la carpeta llamada Blues Explosion y proviene de un tributo a Blue Cheer. Nada mal. Lejos de la perfección y de la madurez compositiva radicaba el gusto de estos suecos geniales. Norrsken nunca fueron la gran cagada, pero avisoraban un futuro brillante.

((Nor...que?))

UNCLE ACID & THE DEADBEATS, Blood Lust (Rise Above, 2011)

Me imagino que soy el ultimo que llego a la fiesta. De un día para otro vi esta portada y el nombre de esta banda posteado en todos los blogs regulares. Nunca me moleste en leer las reseñas, suelo prestar mas atención a los comentarios, los cuales en el caso de Blood Lust, eran casi unanimemente aduladores.

Por la popularidad, primero, y por el nombrecillo de la banda que me sonaba a demasiado largo y oportuno con toda esta nota 'droga' del stoner rock, después, preferí ignorar a Uncle Acid & The Deadbeats. Luego, un domingo en el que ya me había hartado de escuchar el EP debut de Venenum, decidí descargar este disco. Esa misma noche, después de escuchar el tema "Death's Door" tres veces seguidas entre a Amazon.com y ordene el vinilo. Blood Lust es un disco sensacional. Solo para el aficionado al buen hard rock, para el hincha de la sicodelia y para el fanboy del stoner rock.

Me llamo la atención la preponderancia de los tonos altos. Blood Lust suena como si hubiera sido grabado sin los tonos bajos en mente. Cosa rara si se considera la importancia del factor pesado en grabaciones de este tipo. Hay algo chirriante en esta grabación, algo que inicialmente asumí era solo el resultado de una descarga de baja calidad. Sin embargo el vinilo suena igual, chirriante.

"Death's Door" es un tema perfecto. Stoner rock de medio tiempo, plantado por un riff embrujado y encantado vía aquel cántico espeluznante y encandilante del vocalista Uncle Acid. El tema esta basado en un riff central que es de esos que te imaginas y sabes que haz escuchado unas cincuenta veces, pero que por mas que la piensas, no sabes ni imaginas donde. Si dices Sabbath, estas cagado. El solo en el corazón del tema se enfoca y desenfoca. Esa es la sicodelia. Pero todo es la repetición, los efectos y la simpleza del tema. El truco de Uncle Acid & The Deadbeats es ese; encontrar una ideita y explotarla hasta el hartazgo.  El plan funciona, Blood Lust es uno de los mejores discos de stoner rock, o de doom sicodelico, de la ultima década y nunca debí haberlo dudado.

AXEMASTER / THE AWAKENING, 1985 - 1995 (Unisound, 1998)

Ayer tuve un gran día. Después del trabajo me di una manejada de media hora hacia una tienda de discos que ya no puedo frecuentar debido a que fue mudada aproximadamente 15 millas mas lejos de mi trabajo. La ultima vez que estuve allí fue hace tres meses y salí con la colección completa de Danzig y no pague mas de $6 por ningún disco. Esa vez note que estaban lentamente arreglando una sección de discos de metal, así que con eso en mente di la manejada.

Ayer salí de la tienda después de haber pagado una cuenta de $78. Conseguí siete discos compactos de heavy metal bastante oscuro que espero poder postear de a pocos en este blog y además conseguí la cassettera doble Sony que estaba buscando para conectarla a mi equipo, por esta solo me cobraron $20 y esta en perfecto estado. 

Unos de los discos que capto mi atención fue el de la banda Axemaster. El logo y los colores típicos de la portada son inconfundiblemente metaleros y al notar en el reverso que el sello que lo editaba era griego asumí erroneamente que la banda también lo seria. Asumí también que The Awakening era el titulo de esta compilación que obviamente juntaba las grabaciones registradas durante la década señalada en el titulo.

Escuchando el disco de vuelta a casa me sorprendieron dos cosas; uno, las guitarras son impresionantes, sumamente diestras y los punteos obligatorios son casi virtuosos. Dos, aproveche cada luz roja para leer los detalles adjuntos en la contraportada y me di cuenta que Axemaster y The Awakening son escencialmente la misma banda. Los diez primeros temas pertenecen a dos alineaciones de Axemaster cuyo común denominador es el guitarrista Joe Sims y los últimos cinco pertenecen a The Awakening, la banda power metalera que Sims formo en 1995 junto con el segundo bajista de Axemaster, Jim Newcomb.

Osea, tenemos aquí tres grabaciones completamente distintas, de las cuales se destacan en particular los primeros seis temas que pertenecen al disco de Axemaster editado en 1987 Blessing in the Skies. Espero que el termino power metal no ahuyente a nadie, pues mas que nada tenemos aquí heavy metal ochentero con un sonido bastante añejo, pero para los amantes de los polvorientos sonidos de esta época no veo como estos Axemaster no podrían ser un gran dscubrimiento. Y si es asi, pues he aqui una ocasion mas para celebrar; al parecer Axemaster se han vuelto a juntar y estan escribiendo material para un nuevo album. Me pregunto yo quien les dijo que se les extrañaba?

((Maestro del Acha))

LAST DAYS HERE - Bobby Liebling Da Un Paso Al Mas Acá

Bobby Liebling tiene los ojos grandes, vacios y desorbitados. Su piel arrugada esta llena de ronchas, costras, heridas abiertas y cicatrices. Su cabello alámbrico esta desordenado y lleno de canas. Si uno no lo supiera, uno pensaría que se esta en presencia de un anciano de mas de 70 años, pero Bobby Liebling, el vocalista de los legendarios Pentagram, tan solo tiene 53 años, buena parte de ellos gastados en una nube de drogas duras y todos completamente pasados en la gratuita comodidad del sótano de la casa de sus padres.

Sino fuera por un fanático llamado Sean Pelletier lo mas probable es que Bobby ya seria historia. A mediados de los 90's, este fanático del heavy metal y por entonces empleado de Relapse Records, adquirió unas cintas de Pentagram que nunca habían sido publicadas. Lo que escucho en ellas  lo motivo a auto-imponerse la misión de editar una compilación de esas grabaciones y de ubicar al genio que se encontraba detrás de ellas.

El resultado es historia. El 9 de Febrero del 2002 Relapse Records edito First Daze Here, una acojonante colección de 12 rarezas y remasterizados que incluían polvorientos clásicos del doom como "20 Buck Spin", "Starlady" y "Be Forwarned". Inmediatamente, el mito de Pentagram creció de modo acelerado. Esto a pesar de que la inestable banda sumo un total de cuatro larga duraciones de variable calidad y bajo perfil entre 1995 y el 2004.

El documental Last Days Here lidia con lo que ocurrió después, cuando Pelletier estableció una amistad con Liebling y se obsesiono no solo con salvarle la vida sino también con revivir a Pentagram.

Inicialmente, Liebling, cuya patética contextura se asemeja a la de un alojado en Treblinka, en su estupor de crack, se muestra entre reacio e indiferente y por buena parte de la primera mitad del documental parece estar muy cerca de la muerte.  El abuso a las drogas durante décadas no solo ha hecho estribos en su cuerpo sino también en su mente. En una de las escenas mas chocantes Liebling habla de sus parásitos imaginarios y se rasca la piel de modo feroz. Luego descubre una venda y nos revela una grotesca herida abierta que le ocupa la mitad del antebrazo.

La otra escena chocante ocurre en la segunda mitad cuando los directores revelan a la nueva novia de Liebling, Hallie, quien no solo esta guapetona y super chancable sino que también podría ser la hija de Bobby. Ella misma confesa tener un gusto algo peculiar en hombres y favorecer aquellos que tengan un look algo anormal.  Last Days Here tiene pues hasta algo de romance, pues la relación entre los dos pasa por sus momentos tumultosos pero como la banda y la historia de Bobby tiene un final feliz.

Last Days Here no ganara un premio de la academia al mejor documental, pero los fanáticos de la música de culto y del doom tienen aquí un trabajo bien narrado  y que documenta profesionalmente y con respeto el renacimiento de uno de los personajes mas entrañables de la escena de ayer y de hoy.