CHRISTIAN VAN LACKE - en la Ciudad Gris...

Estaba de paso por Lima a fines del 2013 y da la casualidad y puta mala suerte que la misma noche en la que partía, Tlon tocaban un concierto de reunión después de estar separados por mas de un año. Christian me consuela invitándome al ultimo ensayo de la banda antes del concierto. 

El show de reunión comprenderá de dos partes, una con cada bajista (Marcos Coifman y Besar Bustamante) y algunos invitados de lujo. Uno de ellos sera Juan Luis Pereira, guitarrista de la legendaria banda peruana El Polen y quien esa misma tarde pasaría por casa de Christian para finalizar algunos ensayos con el cantante/guitarrista y el resto de la banda.

Como es raro en el Perú, llego a casa de Christian puntual. Localizada en una esquina en el distrito de Pueblo Libre, la casa roja que Christian comparte con su novia esta en un lugar donde antes funcionaba una farmacia y la funcionalidad del diseño de pocas paredes le trae a la mente a algunos la idea de un loft. 

Mientras esperamos a Juan Luis, charlamos y hablamos un poco de todo. Mi intencion es sosacarle algo que ya no se. Tlon es la banda con mas cobertura en este blog y aqui ya lo sabemos casi todo. Juan Luis debe de llegar en cualquier momento...

DI - Naciste en el '74, año en el que Perón murió. Cuentame un poco de tu infancia y de tus entornos de esa época. 

Me crié en el campo, en Pacheco. Me mude varias veces, pero te diría que de ahí vengo, queda en la provincia de Buenos Aires, calles de tierra y verdín. Así era en los 80´s, todo era parar en la calle, mucho más conectado con las cosas simples, jugábamos subiéndonos a los arboles, o dejando piedras en las vías del tren para que este las despedazara por los aires. Nos embarrábamos cuando llovía, usábamos la imaginación casi como único medio de diversión o pasatiempo, mucho más conectados con el entorno natural. Mi viejo se separo de mi madre yo muy pequeño, ella hizo una carrera de cantante en Venezuela. Se conocieron en Perú en el 72, no tengo recuerdo de ellos dos juntos. A mi vieja la veía una vez al año por navidades, pero nunca fue un problema eso, para mí era lo normal. Me crié con mi padre, su mujer de aquel entonces y una hermana, par de años menor que yo. Mi casa de Pacheco era un lugar donde caían muchos músicos que la remaban desde los 60´s y 70´s, la mayoría seguían inmersos en la ideología hippie. Eramos de viajar, de irnos a el Bolsón en auto, esto queda pegado a la cordillera de los Andes, en la provincia de Chubut. En aquel entonces había una colonia jipona allá. Yo tenía mis amigos del barrio y también a los hijos de estos músicos precursores que teníamos todos la misma edad o por ahí; Los Marassi (Alejandro Marassi perteneció a “La Banda del Oeste, Miguel Cantilo y grupo Sur, etc), Los Gornatti (Quique Gornatti perteneció a Punch, a Pedro y Pablo y “Bola de Destrucción con Pappo, entre otros), Jorge y Bea (Bea es quien me ha hecho los cuadros para el arte de tapa con mis discos de “La Fauna”), nos llevaban a conciertos e íbamos todos como una gran tribu.

DI - Y musicalmente, ¿como te formas cuando eras crio? 

Mica Reidel, hoy, personaje legendario, el primero que hizo música experimental, progre con electrónica, el mismo construía sus osciladores y teclados ya que era ingeniero electrónico ,el primero en hacer música aleatoria por allá, caía a la casa en una moto con la guitarra colgada en la espalda, vestido de militar, barba y pelo largo, personaje de aquellos, me encantaba de niño que me contara sobre su grupo "Supermoco". Me daba vuelta el nombre, era un niño y el nombre del grupo me disparaba a un montón de lugares. El fue el primero que me enseño acordes en la guitarra, mi primer maestro. Creo también que mas allá de los acordes, la enseñanza iba por el lado de las palabras y de la estética visual de Mica, congelado en una forma de pensar muy surrealista, que podía ser para algunos anticuada, pero que para mí quedo en vías de desarrollo, puesto que toda la música del setenta pintaba desde su usina creativa como un medio de transporte para cambiar la consciencia de los seres en este planeta, para embellecer de manera brutal y definitiva este mundo, desde la sutileza de una buena progresión sonora hasta la puesta de las palabras, al menos ese fue el punto de partida, pero con los años se fue desdibujando, a Mica lo veía como a un guerrero y creo que yo he tomado ese camino, de lucha, de intentar con la mayor honestidad posible hacer una música fuera de molde o de las corrientes en boga, algo complejo, pero simple a la vez, la simpleza que tiene que ver con creer que la música tiene una misión de ser mucho más importante que nosotros mismos, que es parte de la naturaleza misma, la de abrir nuevas percepciones en plan místico sin tener que recurrir exclusivamente a lo sacro, mucho más libre y desatada seguramente. 

DI - Hace tiempo, durante nuestra primera entrevista, me comentaste como descubriste que tu padre había sido parte de Tarkus. Aparte de ese suceso, ¿que otros sucesos musicales te dan forma? 

Mi casa estaba llena de música, como te digo, venían músicos de larga data, recuerdo el tocadiscos de mi casa y el primero de Invisible ahí, ”Pappos Blues III”, “Manal”, pero los dos vinilos que mas gasté y que estaban en la batea de metal debajo del mismo, que era como un supermercado a los sentidos, eran el Yendo de la Cama al Living de Charly Garcia y Me Vuelvo Cada Día Más Loca de Celeste Carballo, habían salido ese año (1982) y esa música la pasaban en la radio, sabemos que ahora es casi una utopía algo así, pero era así por aquel entonces… 

Esos dos discos los saque de la batea y los mande a mudar a mi cuarto. Nunca me separé de ellos, aún hoy los conservo, todos rayados pero ahí están. Cuando iba de vacaciones a ver a mi madre, los llevaba conmigo en la valija y hacia unos shows privados para los amigos de mis tíos, cantando sobre las pistas de “Yo No Quiero Volverme Tan Loco” de Charly y “Querido Coronel Pringles” y “Es la Vida Que Me Alcanza” de Celeste, estas últimas dos tenían que ver en su lírica con lo que yo vivía en Pacheco. Me identificaban por ahí, era muy chico, tenia 7, a “Querido Coronel” le cambiaba la letra y en vez de decir 'voy a tomar la ruta tres', decía 'la ruta nueve', ya que esa ruta era la que se usaba para entrar a General Pacheco. Fue años después de que empecé a darle lustre a los discos completos. Cuando uno es chico, nos gusta algo puntual y lo repetimos hasta el cansancio (de los demás), porque para uno es un momento tan mágico que pretendemos con la repetición hacerlo perdurar por siempre . 

Mi viejo siguió ligado a la música pero colgó los guantes como instrumentista. El usó el instrumento, el bajo en su caso, como una herramienta de aventuras, como una llave. Así se fue al Perú en el 72 y fue la escusa perfecta, pero nunca fue un músico de oficio. Lo que sí, me inculco al igual que mi madre, el amor a la música desde que tengo uso de razón. Y dejó un disco que es una nave nodriza, con eso creo que hizo suficiente tratándose de un tipo que tocaba el bajo y que no era precisamente un músico formal. 

DI - Cuando terminas el colegio, ¿cuáles eran tus planes de vida? ¿ Que es lo que sucede en esa época? 

Christian en la panza con sus viejos....

Que iba a ser músico no lo decidí, se dio porque se tenía que dar. Ya lo sabía o no lo sabía pero ya lo era. Me fui a vivir a Venezuela a los 12. Primero viví con unos tíos, ya que mi madre vivía de gira, era cantante, luego con ella. Hice casi todo el secundario ahí, tuve algunos profesores particulares de guitarra que me dejaron algunas cosas técnicamente hablando, pero poco a nivel intelectual, me parecían un poco fríos los músicos allá. Al menos los de rock, porque hay muy buen latin jazz, extrañaba ese aire que corría en mis años de Pacheco y era como un niño/viejo, muy nostálgico, escribía poesía, seguí con los discos y muy interesado en descubrir el rock argentino a profundidad. Más allá de estar en otro país me mantenía cerca de esa manera, quizá era una forma de respirar parte de lo que consideraba mi esencia musical, mi ADN, la de mis 'tios postizos', esos que pululaban habitualmente por Pacheco con sus guitarras al hombro.

Tuve un dúo con un baterista con el que grabamos en portaestudio maquetas de temas míos. También le hice suplencia a la pareja de mi madre que es guitarrista en una banda de veteranos del rock venezolano. Toque en un auditorio para 3,000 personas, muerto de miedo. No podía ni mirar al frente, tocamos en un festival temas de Pink Floyd, The Cure, pero yo ya componía mis canciones desde los 13 o 14. Seguramente con quien hice más migas musicales fue con un músico que se llama Carlos Eduardo Reyes y que tenía una banda que se llamaba Claroscuro. Con el empecé a entender la composición. Eramos enfermos de la música. El también componía de chico, tiene unos años más que yo Carlos y hoy vive en Colombia. Acaba de sacar un disco solista, un tipo con talento y mi mejor amigo por esas épocas. Juntos deshojábamos los temas del under mundial, al que teníamos acceso por otro amigo mayor que nosotros que estaba conectado con la música inglesa, islandesa, noruega. No sé de dónde sacaba esos discos, pero era en ese momento la música más honesta y revolucionaria fuera del circuito comercial. Sugarcubes por ejemplo, que fue la primer banda de Bjork, la escuchamos el mismo año que saco su primer disco, Billy Brag, tenía otro amigo (QEPD) de madre brasilera y a través de ella escuchamos toda la maravillosa música del Brasil. Tenia una colección inmensa, Caetano, Gal, Os Paralamas do Suceso… Yo por mi lado en Venezuela descubrí Color Humano, Aquelarre y muchas cosas que en Argentina había escuchado de refilón, como Litto Nebbia, Leon Gieco, todo lo que había hecho Spinetta. Conseguí los VHS de los festivales Barock, como cuando era niño (aunque aún lo era), ya tenía 15 o por ahí, y los vi cientos de veces, en la tele no pasaban nada ni parecido y estaba pendiente de lo que pasaba en Buenos Aires. Tenía mis dealers, así me llego Soda Stereo, antes de que salieran a nivel sudamericano, Juan Carlos Baglietto y otros.

DI - Y como te expones a ese mundo y como decías siempre fuiste músico como que uno absorbe la música de otra manera y desde chico, ¿no? 

Eran otros tiempos en materia de degustación de discos…en mi caso y seguramente en el de muchos que venimos de una generación pre-internet, recuerdo, cuando escuchábamos discos…en el mejor de los casos podíamos adquirir un disco por mes. La radio no pasaba buena música (hasta hoy), por eso debíamos dar en el blanco con total precisión a la hora de comprar uno, para luego darle lustre, exprimirlo o 'gastarlo' como aun algunos solemos decir. Llegábamos a la casa con el cassette, el vinilo o incluso los primeros CDs y le dábamos escucha de arriba abajo, todo el contenido, con énfasis en el análisis profundo de las canciones, en los arreglos, en la ejecución, de los matices de cada rincón visible u oculto del mismo. Chequeábamos la ficha técnica hasta sabernos de memoria aspectos como, quien fue el ingeniero de grabación. Luego relacionábamos otros discos que fueron grabados por la misma persona o por el mismo sello grabador y de esa manera hasta nos podíamos imaginar la sala, el estudio donde estos fueron grabados, los instrumentos que se usaron, el espectro de frecuencias, los armónicos hasta su ultimo decaimiento, le dábamos vuelta al arte del mismo, cuadro por cuadro, infinitas veces, recorríamos en busca de detalles los planos de la composición en la fotografía o en el dibujo, cualquiera fuera el caso, leíamos las letras, las repasábamos, las analizábamos. Recorríamos en la ficha, los músicos invitados y decifrábamos a oreja, en qué momento de la canción hacían su aparición, denotábamos así su estilo, cada escucha era y lo sigue siendo para algunos, un redescubrimiento, estos a mi entender son algunos detalles al presenciar un disco como una obra completa e infinita.

DI - Que diferencia, ¿no? Yo recuerdo absorber la música a un nivel mas intenso que el de la mayoria aunque no tanto como el tuyo pero hoy en día parece que todo es mas desechable....

Ahora está de moda el EP, lo cual no está mal, pero ejemplifica el querer mostrar una idea en vez de tratar de profundizarla, de mostrarla en su real dimensión, sin temor a que se cansen y no terminen de escucharla completa, sin darle el desarrollo total que requiere una visión más general, artísticamente hablando, un concepto. 

Están los demos para internet que en muchos casos carecen de todo trabajo a fondo. Muchos de los cuales suenan precariamente, aún así los suben, los muestran, le ponen nombre,…como un atajo, que es 'como para que se den una idea'…. La red esta sobrepoblada y esquivar esto a veces se hace complicado. Es como cuando queremos escuchar un tema que recordamos y hay 200 pésimas versiones o 20 grupos con el mismo título de la canción o del solista o de la banda. 

DI - Se exactamente de lo que estas hablando...

Los nuevos canales de información hacen que los chicos de esta generación, no terminen de escuchar una canción y pasen a otra y así, en un desfile donde poco es lo que queda a nivel sustancial. Luego si les preguntas si conocen, te dirán que sí. Eso no es conocer, o quizás ahora eso sea conocer, una conversación profunda al respecto, terminaría en 5 minutos, … por ahí nosotros somos unos inadaptados, puede ser, yo lo uso pero con cuidado, en definitiva, me quedo con la clásica manera de degustación sonora.

DI - Jaja, yo también, palabras mas ciertas se han dicho poco.... 

Incluso esto se ha trasladado a los conciertos donde la gente pierde la paciencia, si se toca algo muy puntual, un arreglo elaborado, un matiz bajo con dinámica grupal, muchas veces se aburren, se dispersan, pierden atención y no asimilan el contenido. La mayoría hoy asiste a los conciertos para 'escuchar' todo al palo y en plan fiesta, conversan a los gritos por sobre la música o van al baño más veces de lo normal, chatean, no paran de disparar fotos fuera de foco para subirlas a alguna red social, mientras los 'músicos' tocan…está bien que existan focos para pasar el rato, para desestresar, también es parte como entretenimiento, no es mi escencia, pero lo respeto. El tema está en que el rock y la música en general se hace y se vende exclusivamente como entretenimiento y nada más, de una parte acá y no como un vehículo artístico y cultural, que considero es donde radica su real valor, su trascendencia, es preocupante que todo se esté resumiendo a eso, que haya incluso un aprovechamiento de esto a todo nivel, que se haga apología a la mediocridad musical perdiendo toda hidalguía a la hora de hacer música y acentuando a que cada vez haya menos paciencia para escuchar algo desnudadamente sensible y con todos los sentidos puestos, aún con los volúmenes y la distorsión puestas al taco, o es blanco o es negro, o es pop comercial o la venden de viscerales rústicos con actitud, pues hay MÚSICA MULTICOLOR también… 

Veo el hoy como que la información prevalece sobre el análisis y la inmediatez sobre el pensamiento, atentando así, la parte receptiva y sensorial que está conectada naturalmente con el arte en todas sus expresiones. Pasa con la música, pasa con la literatura, y en general. 

TLON...TLON...TLON...TLON...TLON...TLON...

DI - Con todo esto como que se ha perdido la apreciación a estas artes... 

Yo recuerdo la década del 80, más allá que pasaban músicas comerciales o complacientes, a cada rato tocaban el “Spellbound “ de Siouxie and the Banshees” por ejemplo, ese videos lo vi en la televisión, antes de tener en físico el LP o el cassette y poder escuchar esas canciones en casa, todas las veces que quisiera…Al menos la tele mantenía en uno, cierta expectativa en cuestiones musicales. 

En los 90´s personalmente no me identifique tanto con la música que más sonaba, pero pasaban muy buenas cosas , nuevos sonidos como Radiohead, etc.. 

En los 2000's se vino todo abajo con una camada de chicas prefabricadas, galancetes de salón y gangsters con sus cadenas de oro incitando a la violencia y a la ostentación. Nos vendieron a los latinoamericanos que estábamos en boga y que “Ricardito” era nuestro representante máximo, tras el, una mafia picadora de carne buscando inundar el mercado para la colectividad hispana de Miami y a su vez el manejo de los medios en toda la región, eso pasaban en la ele, en la radio, DESCONEXIÓN, salvo para ver canales de documental, para escuchar música… quedaron nuestros discos. 

Hasta que llegamos a estos tiempos, superpoblados de insípidos programas de “Pase el Siguiente” cual ganado, directamente es mejor darle APAGADO y ya, NO para ver a un tipo cabalgando su caballo imaginario, sobre una pista decadente y sin gracia monótona, el juego más tonto y vulgar de la repetición autómata, el del lavado de cerebro, del no pensar, del no sentirán NADA, en un idioma que ni siquiera es comprensible, no loco. Incluso podemos ver la decadencia de algunos de nuestros iconos de 'las buenas épocas' los intocables, manoseados, usados, en esos “Realitys de Vouyer”, que son la exacerbación del morbo y de quien quiere escapar de su propia existencia. 

Decía una canción venezolana de rock 'la TV no sirve para nada, si solo muestran lo que les da la gana y LA RADIO no puede avanzar, si otras ideas no dejan pasar' y eran los 80´s, ahora estamos mucho peor al respecto. 

DI - Y despues de Venezuela.... 

En el 91, ni bien termine el secundario volví a la Argentina... Y por años me sentía el mas incomprendido artista del mundo. Ya era compositor, pero era chico, mis canciones tenían la misma fórmula o sustancia de lo que hago hoy, rock psicodélico que le dicen, o palabras nuevas como 'stoner', 'hard psych', 'psych folk', etiquetas que le han puesto debido a una sobrepoblación de grupos con un sonido similar, ya que se ha puesto un poco de moda en el mercado independiente mundial. Yo no lo veía así, lo que te puedo contar es que prácticamente nadie hacia esa música. Te hablo de fines de los 80´s y todos los 90´s. Lo mío no era bien digerido en ese momento o por retorcido o por pasado de moda. Así pensaba al menos, incluso grandes gemas del rock mundial eran re-versionadas por sus propios autores al funk, como si con eso las modernizaran. Les metían teclados con los nuevos sonidos que se estaban usando, las querían reinsertar en el mercado, no existía aún el rescate de las mismas como lo que eran, gemas perfectas del arte universal. Era como querer agarrar un huaco preincaico y pintarle encima con flúor. Yo estaba en la onda purista de la canción, acústica y eléctrica, grabé algunas cosas 'demos' que solo le mostraba a mis más íntimos, a los que consideraba más volados, pues creía, en un acto medio tarado y ególatra que nadie las entendería, lo que si muchos de esos temas los grabé en estos últimos años, como “50 siglos” o “Comeflor” de Tlön, “Abstractas” y “Tema Para Orate” de “Fauna” y otros. 

En el '94 armé un grupo con el que toque bastante , tengo una grabación en vivo por ahí , se llamaba “Liturgia”, decíamos que lo nuestro era 'música y poesía' y hacíamos rock pesado con escuela clásica argentina. Nos seguía la gente del barrio, de Villa Pueyrredon, casi como hinchada de fútbol, duró dos años, por esos años me interesaba más explorar por dentro, viajar con la mochila, perderme meses en la sierras de Córdoba o ir a Mar del Plata, sin un mango, a la buena de Dios, sin ningún planeamiento de nada, de un día para otro, quería conocer gente nueva, tocar con cualquiera, experimentar con sustancias, componer para mí, como catarsis, no tenía el bichito de dejar registro alguno, me parecía todo más puro de esa manera. 

Un día pensé en sentar cabeza, que tampoco significo trabajar en un banco, pero si en ponerme a estudiar, para potenciar la parte creativa o quizá para trabajar en los alrededores de la canción como tal. Tres años estudié ingeniería de sonido, cinco años producción musical. Asistí a un montón de seminarios de audio y de acústica y trabajé en un taller de pianos. Soy afinador, de eso vivía hasta el 2001 que se vino todo abajo. Y termine en España. 

DI - ¿Cuantos años pasaste en España de ilegal? Se que trabajaste muy duro pero que fue una experiencia muy rica. Se habla mucho de España y de la mala leche hacia lo ilegales sudamericanos, desde ese punto de vista, ¿que tal fue tu experiencia? 

Me fui a España, no pensé que iba de ilegal hasta que me lo hicieron saber. Llegue a Galicia y me aburrió al poquito tiempo de llegar. Me fui a Palma de Mallorca, donde estaban Los Gornatti, Blanca Gornatti hija de Quique me convenció para atravesar la península y me mandé. Ellos estaban radicando ahí hace algunos años. El tema es que estaba con las justas de plata y alquile un cuarto, con eso me quede casi sin dinero. Un día con 20 euros en el bolsillo como todo capital y sin conocer a casi nadie en medio del mediterráneo, me quede viendo el mar cual Alfonsina Storni, con ganas de mandarme nomás, pero justo conocí a un brasilero que me ofreció trabajo en el puerto cargando mercadería para discotecas, cajas y cajas, de eso consistía la labor, descargar contenedores llenos de cajas pesadísimas a un deposito, cajas y cajas, doce horas por día bajo un sol de 43 grados en la cabeza. Sin protección y ganando una miseria, con un tipo que era un esclavista y nos hacía sentir eso, pero no había otra. Teníamos que comer, éramos puro latinoamericano; un cubano, un brasilero, un colombiano y yo. 

Donde vivía se mudaron unos uruguayos, yo llegaba a la casa roto de desgaste. Tenia meses trabajando ahí y veía a estos de lo más frescos, comiendo manjares, rozagantes y felices, les pregunte que hacían y me dijeron que tocaban en la calle, con un amplificador a batería. Así que ni bien pude me compre uno y eso hice casi dos años hasta retornar a Argentina. Tocaba a diferencia de otros, mis temas, con ampli, micro y guitarra eléctrica. También bossa nova, jazz y alguna versión de rock argentino o Beatles cuando quería juntar más monedas, cantaba y tocaba. Ganaba el doble o más que cargando cajas y muchísimas menos horas. Estuve en Madrid y en Barcelona también, pero fue en Mallorca donde mejor estuve. Toque con medio mundo, me dio un entrenamiento en vivo infernal, toque casi dos años. Todos los dias, digo 'medio mundo' literalmente porque era gente de muchos países. Con Quique Gornatti fue lo último. Yo tocaba solo, pero al final de mi estadía española hicimos un dúo de guitarra hasta que prohibieron en la isla tocar a mas de 80 decibeles, lo que quería decir, sin amplificación y eso dificultaba la recolección. 

Ahí decidí volver a Buenos Aires una vez más y al regresar armé un Centro Cultural donde hacíamos conciertos de diferentes bandas, Producía a artistas amigos, me autoproduje dos discos pero no los moví, los hice para mí. Solo me interesaba ese lugar, generar un colectivo artístico desde allí, exponíamos también fotografía y pintura. 

Christian...en el centro...

DI - Y luego vienes a Perú y para mi la historia empieza ahí porque de repente yo escucho “Lulu Esta Volando” y pienso, '¿de donde salió esto y como es que no conozco a este tipo?' ¿Cuáles fueron las circunstancias y cual era tu plan de vida? 

En el 2006 conocí a una chica peruana y dado que tenia que volver decidí venir tras ella. No obstante y a raíz de que ya habían raíces en Perú, llame a Walo Carrillo quien fue baterista de Tarkus, grupo en el que militó con mi viejo y le comente sobre mi intención de viajar, no sabía si por un año, dos o diez. Los Walos (padre e hijo) ambos bateristas, me invitaron a hospedarme en su casa que tenia sala de ensayo. Les dije para hacer música y eso hicimos desde mi llegada. Más allá de que también he hecho cosas con otros músicos, ellos fueron los bateristas estables todos estos años y los que le pusieron base rítmica y mucho condimento a mis canciones. Era una casa donde desfilaban muchos músicos. Ahí lo conocí a Tavo Castillo (Frágil) a Pacho Mejía (Black Sugar) y otros con los que también he estado tocando y grabando música. 

Walo estaba en la de hacer covers y yo estaba un poco reacio a hacer eso. Tenía una coctelera de ideas propias en la cabeza, pero me convenció de sumarme a Mr. Blues con Pacho Mejia, Chachi Luján y Water La Madrid, banda con la que hacíamos versiones. Yo me ocupé de los arreglos. Era rock de los 70´s básicamente, rock inglés, grabamos un disco, con Walo (hijo) hicimos Lilus junto a Oliver Castillo, con los que grabé también, pero dado a un raye mio lo deseché ni bien nació. Con Walo (hijo) y Oliver sigo tocando después de 7 años. Ellos son parte de la base de La Fauna cuando toco en eléctrico, nos entendemos de memoria. 

Ahí se dio que llamó Alex Nathanson (cantante original de Tarkus) que vive en Estados Unidos, diciendo que venía a Perú por un mes y se nos ocurrió hacer un concierto como Tarkus que al final fueron cuatro y la cosa pintaba para seguirla, pero yo sentía que no era mi grupo, era el grupo de mi viejo y fue lindo hacerlo como homenaje, pero hasta ahí. Aparte con Alex teníamos diferencias de estilo. Walo y yo queríamos hacer algo más pesado, mas en el canal de lo que fue Tarkus y mis temas encajaban con esa idea, así que nos abrimos e hicimos TLÖN.

DI - Todo fue material original...

Rescatamos, si, algunos temas inéditos de Tarkus para el primer disco, con mis arreglos, en la mayoría de los casos me los imaginé, puesto que la base era muy rudimentaria o sonaban trastocadas después de pasar por las manos de Alex, eran temas de Dario Gianella (compositor de Tarkus) y al que considero una influencia fuerte en mi música, pero en el tema autoral no me dí los créditos reales, esto lo hicimos como una manera de continuar ese legado de alguna manera. Metí algunas composiciones mías, grabamos, pensamos que sería el único álbum, pero lo que pasó fue que gusto y los conciertos sonaban increíbles. Nos juntamos con Marcos Coifman quien dominaba el rock pesado y teníamos un trío que arrollaba.

DI - Primer disco...

El disco se vendía, las criticas eran muy buenas y nos ficharon de un sello alemán que nos edito en vinilo y cd. De ahí empecé a ver criticas de muchos países y todas eran exageradamente encantadoras. Eso nos impulsó a grabar otra producción, salió todo un disco en un tirón, lo compuse creo en una semana o dos e inevitablemente hicimos la secuela TLÖN II y de ahí el TLÖN III ya sin Marcos, con Cesar Bustamante en el bajo. Los tres discos fueron editados en Europa por Nasoni, la banda estaba a pleno, hubo conciertos memorables. Fue decisión mía dejarlo ahí. Tres discos en menos de tres años, uno de ellos doble, conciertos y llevar las riendas casi al ciento por ciento me desgastó. Quería tocar con otra gente, en el medio grabe un disco con temas míos con Carlos Vidal (La Ira de Dios) y Walo (hijo) el Van Lacke -Vidal -Carrillo, que edito Urbanoide Records en cd.

DI - Y ahi como que te mantienes ocupado...

Fueron años de mucho vértigo y creía que sería diferente, pero la cosa siguió así. Hasta hoy, no pude parar o no quise parar y no me quejo, me siento feliz de haber dejado estos registros. Luego edité La Fauna Vol I con músicos invitados como Daniel F, Tito La Rosa, la base de Lilus, Tavo Castillo, entre otros. Un disco de canciones sin riffs prácticamente, en el medio Tortuga, trío de rock pesado junto a “Ñaka” Almeida (Reino Ermitaño y Mazo) y el español Jesús Morate y este año, La Fauna Vol II, ambos discos de La Fauna fueron editados en cd por Urbanoide y en vinilo por el sello griego G.O.D Records, el disco de Tortuga editado por Toxico Records también fue fichado por Nasoni, el sello alemán que me edito los tres vinilos de TLÖN. Grabe un disco de bossa nova con Elsa María Elejalde y Jairo Zuleta, con mis arreglos y otro con Caravana Cantante, junto a tres seres que fueron gran influencia en la composición de los temas del segundo Fauna, Julieta Rimoldi, Lucas Giotta y Marcos Rocca, amigos argentinos que estuvieron viviendo en Lima un corto periodo en mi casa y con los que hice una amistad entrañable y para siempre. Ellos también participaron de la grabación del Fauna II junto a gente que admiro muchísimo como Edelmiro Molinari (Almendra, Color Humano), Juan Luis Pereira (El Polen), Manuel Cornejo (Laghonia),etc… 

DI - Se nota un justificado orgullo en lo que has hecho en estos últimos años en Peru y con siete años en ese país y me decías que sentías que tu experiencia está llegando a su fin. Me decías también que habías colaborado ya con todos los músicos que querías. ¿Es hora ya de cambiar de vientos? 

en la fauna...

Fueron 12 discos editados con mis temas, 6 de ellos editados en vinilo en Europa en 7 años y unas 10 producciones para otros en mi rol de productor musical, dos veces fui a tocar por Argentina, una a Uruguay, una por Chile, centenares de conciertos en Lima y provincias. Toque como guitarrista de Claudia Puyó, gran cantante argentina, con Montaña, Magali Luque, Pauchi Sasaki, etc… he sentido el respeto de mis colegas todo este tiempo y te diría que hasta de la prensa especializada. No es un camino de rosas dedicarse a esto por completo, no está profesionalizado y por ende escasea el trabajo serio. Esa es la realidad de un artista por aquí, de uno que no transa al menos y se dedica solo a esto. Más allá que fue el camino que elegí y del que no me arrepiento. Me siento cansado ahora y con ganas de volver a la Argentina para seguir con lo mío. Quizás más relajado, cambiar de canal, volver a mis calles, buscar otras inspiraciones, creo que acá me vengo dando la cabeza contra el techo y que en Lima el techo haciendo estrictamente arte está ahí no más a la vista y ya tengo muchos chichones. Me he dado todos los gustos y he tocado con quienes he querido, nunca busque el tema de las 'argollas', nunca cedí, ni me intereso hacer sociales, conocer gente para tocar en los festivales masivos, que son dos o tres por año y donde siempre tocan los mismos. Tampoco mi música va por ahí. La gente me ha venido a ver a los conciertos, me ha ido bien con eso. Tengo gente que me sigue, que va a escucharme tocar, un público muy fiel e increscendo. A veces hasta me parece muy extraño que así sea, soy muy agradecido de lo que vivo en Perú. Conocí a la planta Ayahuasca acá, una maestra, que a su vez es un portal muy poderoso y que me ha influenciado creativamente hablando y me ha dado otra visión del mundo y del más allá. 

Pienso que este es mi último año completo acá, recién comienza este 2014, tengo algunas cosas que me gustaría terminar de hacer antes de partir. Pienso volver a radicar a la Argentina a principios del próximo año, aunque muchas cosas pueden pasar. Ya lo veo como un hecho, pues siento internamente que cumplí mi ciclo acá, un ciclo cósmico, un ciclo de vida y por ende un ciclo creativo, que es lo más brillante que hay en mí y lo que me mueve, pero siempre volveré, porque también me siento parte de esto. Mi idea siempre a sido Sudamericanista y me voy mas reforzado que nunca con esta idea. 

DI - Despues de tanto tiempo en Peru, que es lo que te llevas contigo de esa experiencia en ese pais? 

AMOR, AGRADECIMIENTO SABIDURIA. Así, en mayúsculas. 

DI - OK, cerrando este ciclo, vamos a jugar un juego. Te doy una palabra y quiero que escribas lo primero que se te viene a la mente, no necesariamente una palabra, sino todo lo que quieras: 

- Invisible – Música del espacio. 

- Color Humano – Un tótem de luz y delirio. 

- Gardel es uruguayo – Es tanguero, da igual donde nació, particularmente me quedo con Edmundo Rivero, el Polaco Goyeneche y Astor Piazzola. 

- Miguel Mateos - NSNC 

- Luca Prodan – Mis respetos, aunque no es lo que más me ha volado la peluca, me gusta lo que hizo. 

- Jobim – Genio. 

- 'Estoy verde, no me dejan salir' – de Charly, un maestro a la altura de los grandes maestros. 

- Guitarra eléctrica – Un puente al más allá. 

- Barba – Ahora tengo, nada en especial, supongo que porque me da flojera estar afeitándome a cada rato. 

- Sudaca – Soy. 

- Arepas de queso – Con queso Guayanés, para el paladar, muchos recuerdos… 

- Borges – Una inspiración en mis letras, seguramente el escritor que más me ha movido. 

- Lima – La Gris, también es mi casa.

Ha pasado mas de hora y media desde que he llegado y aun no hay rastro de Juan Luis. Seria por lo menos media hora mas hasta su llegada. Luego caminaríamos ocho cuadras hacia el este y cinco hacia el oeste hasta la casa del baterista Walo Carrillo. Allí, ellos se compartirían abrazos, se explayarían en charlas cortas y compartirían un huirito asolapado, y sin invitar, antes de empezar el ensayo.

Desde el punto de vista del que esta afuera, no entiende de música, ni tiene oído fino y cuya función es solo ser una mosca en la pared, y ojala, transcribir esa presencia a algún medio, lo que sucedió después fueron 45 minutos de lo que yo llamaría 'la indescribible lucha por la perfección musical'.  El tema que Tlon tocaría con Juan Luis es el emblemático himno de El Polen titulado "Mi Cueva" y requiere cierta comprension síquica entre instrumentistas que reta la sapiencia de mi oído sesgado por el cerote. En Perú, nadie es puntual pero a mi no me gusta quedarme un segundo mas de lo que debería. Así que allí, estancados en los dulces arreglos de "Mi Cueva" me abro... 

Videos Bonus - TLON en la Sala de Ensayo - Noviembre 18, 2013

A modo de bonus los dejo con unos vídeos grabados aquella tarde en la que la ultima alineación de Tlon ensayaba con Juan Luis Pereira de El Polen...

Ayahuasca en la Selva - CHRISTIAN VAN LACKE (TLÖN - TORTUGA)

'¿Te filmo?' Le pregunto a Chritian Van Lacke de Tlon después de una tertulia de dos horas sin celuloide digital y recordando que mejor capturo algo para la posteridad. Hasta entonces hemos estado parados, admirando su abierta posada que me recuerda a un loft americano y acariciando a su perro, oscurecidos en su estudio escuchando algunos temas de una banda doom que ha producido y examinando algunos cortes de solista aun por finalizar que me suenan mas densos que cualquier cosa que le he escuchado con anterioridad. 

Apenas sentados en unos puffs cerca al piso cambiamos de tema y vamos al grano. La música de Tlon tiene todo tipo de influencias extra musicales y nadie que no ha partido de esta realidad con destino interior y hacia la vía láctea puede hacer música como la de Tlon.

SELIM LEMOUCHI (The Devil’s Blood) – 1980-2014

Bueno, esto se veía venir a leguas, pero nadie habría podido presagiar que seria tan pronto. Desde aquella entrevista en su tenebroso departamento en la que hablaba con ojos vacíos de su obsesión con la muerte y de su deseo de llegar a ella por mano propia, era obvio que un tipo tan serio, obsesionado e intenso como Lemouchi no duraría mucho por estos terrenos. Sus influencias musicales Suecas y corta-venosas seguro que no lo ayudaron mentalmente.

Musicalmente hablando Lemouchi parece haber hecho todo lo que creía necesario. Yo no creo que nadie alcance el pináculo creativo antes de los 33, aunque el caso de los músicos metaleros es algo extraño pues la gran mayoría parecen componer sus mejores obras entre la pubertad y los 25, o entre sus tres primeras grabaciones. Por ese lado Lemouchi encaja y no encaja. Suena injusto tacharlo de guitarrista metalero aunque sus obras mas influyentes definitivamente calaron mas profundamente en esa escena. Además, sus tres principales trabajos llegaron en línea y relativamente temprano; Come Reap del 2008, The Time of No Time Evermore del 2009 y The Thousandfold Epicentre del 2011. 

Sus trabajos post-The Devil’s Blood no causaron gran revuelo, y causaron en mi una minima impresión y las ganas de presenciar una reformación de The Devil’s Blood. Aunque pensadolo bien mejor es así, el hombre vivió y murió bajo su ley y su corto legado es intachable y sin compromisos.

Lemouchi dejo tres de mis grabaciones favoritas para la posteridad. En especial Come Reap, aquella impresionante introducción de cuatro temas de refrescante sonido revival, especie de reinterpretación macabra del rock sicodelico setentero. Es a través de estos que lo recordare; rítmicos y hechizados ejercicios musicales, arreglos vocales que confunden por su melodioso delivery y su chocante y poético contenido lírico y en especial por sus orgiásticas guitarras hard-rockeras que parecen querer llegar al cielo, mas que seguro con ganas de calentarlo con toda su fuerza infernal.

MONSTER MAGNET, Last Patrol – Portada de PutaMadre + Disco de Raices

Monster Magnet es una de mis bandas favoritas de todos los tiempos. No importa que no hayan escrito un disco solido desde Dopes to Infinity de 1995, ni que desde entonces hayan grabado un total de cinco larga duraciones irregulares, algunas avergonzantes en su esfuerzo por figurar en los charts, otros tímidos al no explayarse en los excesos sicodelicos de sus años mozos, igual cada vez que escucho la noticia de que Wyndorf y compañía están listos para lanzar otro zarpazo, me alisto, me toco los tacones y me pongo en atención, con la esperanza de que de una vez por todas los Monster Magnet de mis recuerdos regresen al espacio sideral.

Ayer escuche Last Patrol (noveno larga duración) por primera vez de manera integra. Quede sorprendido gratamente porque al parecer Wyndorf se ha dado cuenta de que esto de construir temas de tres minutos es cosa de normalones y que lo suyo son los excesos. Al contrario de lo compacto de sus grabaciones recientes, Last Patrol calienta lento y no se chupa al entregarnos un segundo tema que casi roza los 10 minutos de duración y que además sigue con un oscuro cover lleno de sitar del tema de Donovan “Three Kingfishers”. Vaya modo de regresar a lo suyo, mmmhh, aunque no tanto…

Last Patrol no esta totalmente libre de ganchos, eso es imposible sabiendo que Wyndorf tiene una nata cualidad para escribir estrofas pegajosas y coros adictivos, pero los temas son en total mucho mas densos que los de cualquier banda de rock promedio y mas lentos de lo requerido para consumo masivo. El cuarto tema “Paradise” por ejemplo, es casi un tema acústico y aunque esta adornado de electricidad, felizmente carece de esos ampulosos coros que caracterizaron discos de power pop (y lo escribo hacienda hígado) como Powertrip. “Hallelujah” por su lado, esta tan cargado de cuerdas que se disparan como rayo láser que mas suena a blasfemia en ácido que a adoración au naturel. 

Por eso, una de las gratas nociones que me quedo en la mente luego de terminar de escuchar Last Patrol fue que por primera vez en casi veinte años Wyndorf no muestra ozados intentos de arrebato comercial, lo cual a mi me cae perfecto pues una de las mejores cualidades de sus discos tempranos era precisamente esa; una aparente adicción al exceso, desde su sonido de banda tributo a Hawkwind hasta ese éxtasis de garaje guitarrero que se plasmo a la perfección en Spine of God y Superjudge y que desbordo con total libre albedrío en el genial Dopes to Infinity. Luego de haberme sentido medio defraudado con cinco discos seguidos (Powertrip, God Says No, Monolithic Baby!, 4-Way Diablo, Mastermind) he aquí por fin uno que por lo menos amérita el nombre de la banda y además le hace justicia al gran Bullgod con una portada que esta para cagarse (cortesia de un tal John Sumrow, cuyo trabajo recomiendo altamente a los fanáticos de los comics y de la ciencia ficción). 

Lo cual obviamente quiere decir que Last Patrol tampoco esta al nivel de las primeras tres grabaciones de la banda (Spine of God, Superjudge, Dopes to Infinity, por no contar el super mantra de Tab). Last Patrol es un disco indulgente comparado con los de la ultima década de la banda, pero aun queda corto en cancha si lo comparamos con los grabados entre el ’91 y el ‘95. La única explicación que puedo dar a esto es que el Dave Wyndorf libre de drogas de hoy no es el mismo que el Dave Wyndorf lleno de drogas de los ochentas y noventas. El tipo ha cambiado, su voz es aun poderosa y viril, capaz de acarrear con facilidad al ejercito instrumental que siempre fue Monster Magnet pero algo esta ya perdido, algo que imagino no se refleja en su voz sino en su banda y en su manera de componer. Algo irrecuperable se perdió en su sobredosis por eso aprecio aun mas este esfuerzo por regresar a sus raíces y ese obvio intento de no escribir un álbum alrededor de canciones cortas. 

Leí recientemente un par de entrevistas con Wyndorf y en ellas el compositor hacia repetidas menciones a los deadlines, aquellas fechas limites que nos cortan viada y que al parecer en el caso de Monster Magnet podrían ser en parte culpables de lo que caracteriza sus últimos cinco albumes. Al parecer, Wyndorf siempre se ha quedado corto de tiempo y ha terminado albumes con líricas y música casi improvisadas. También recuerdo claramente leer un articulo en Metal Maniacs sobre esta banda allá por el ’94. Era un articulo extenso en el que un Wyndorf lleno de algarabía hablaba de las ventajas de grabar para una multinacional y del buen uso que le estaba dando a la multiculturalidad de New York, investigando tiendas de instrumentos étnicos, coleccionando sitars y experimentando con otros instrumentos exótico. El resultado de eso fue Dopes to Infinity y algo de ese espíritu aventurero y de todo vale ha retornado con Last Patrol. Los Monster Magnet de hoy no estaran aun en el espacio sideral pero estan en camino y cerca de dejar la atmosfera.

DWARR, Animals (Brand X, 1986)

Es casi imposible apreciar cualquiera de las portadas que adornan los cuatro discos de Dwarr y no cagarse de la risa. Con una mezcla de ingenuidad infantil, habilidad primeriza e ineptitud nata, este genial guitarrista de Carolina del Sur, perfectamente presenta su obra musical mediante jocosos retratos donde la proporción es desmedida y la realidad es exagerada a punta de crayola, plumón Faber-Castell, oleo, o cualquier medio que se preste al despelote.

Obraría mal el que descarta cualquiera de estos cuatro trabajos en base a su arte de portada. Lo que estos contienen son sónicamente tan competentes en materias técnicas como las portadas que las presentan, pero la esencia de Dwarr, la ejecución siempre desbalanceada, las guitarras desmedidas, las voces que flotan como en un miasma y la desbordante originalidad pesan mucho mas que la técnica y prueban que en la música como en todo el arte, la intención y el espíritu lo son casi todo. 

No es difícil describir la música de Dwarr; en esencia es hard psyche y para aquellos que no les preocupa estirar la realidad, podríamos llamarle doom sicodelico, stoner fumado, o rock and roll estrambótico. Aunque escuchando estos temas y apreciando el producto final con los ojos uno se pregunta si es que Dwarr estaba consciente de esto; de su peculiar estilo pesado, de su manera chusca de tocar, de sus sonidos cuasi acuáticos o bañados en LSD y de las ideas homoeroticas que su imagen sin pelo en pecho provocan. A primer vistazo y a media escucha, muchos serán los escépticos pero escuchando discos tan completos como Animals es obvio que Dwarr iba en serio.

A lo largo de Animals la presencia de Black Sabbath parece ser obvia, aunque según Duane Warr (su nombre de pila), durante esta época el ni siquiera se enteraba de la existencia de estos y lo que el hacia era muy personal. Sea como sea, el resultado es bizarro y contundente, Zappa-esco rock duro con guitarras que flipan sin cesar, soportadas por una base rítmica rotunda y colorida, avispada por momentos y adormitada en otros mientras que las voces son a la vez somñolientas y eróticas como en el caso del tema titulo o de la balada ”Lonely Space Traveller”, tema que suena a extracto progre de algún álbum oscuro editado en Croacia en Agosto del ‘72.

Animals es el segundo larga duración de Dwarr y fue compuesto y grabado tras seis meses de depresión provocados por las pésimas criticas recibidas por su debut del ’84 Starting Over. Como poseído por un aluvión creativo, Dwarr es esta vez un doomster profético que parece reencarnarse en todo lo duro de la década de los 70’s. Esta vez perdido en una década de mierda en la que la buena música había sido suplantada por puro chicle, Dwarr como que canaliza a Paul Chain, lo destrona y ni siquiera se entera. 

((Animales No de Pink Floyd))

AXEMAN, Arrive (Crepúsculo Negro, 2010)

Basado en la primera descarga de Arrive que encontré y que provenía de un cassette transferido a digital, escribí: ‘Perdonen el sonido pero no hay manera de salvarlo. Así se diseño y así se grabo. Y me las huelo que hubieron medios para lograr un sonido de un poco mas de fidelidad o por lo menos en stereo, pero como que Volahn, el latino solitario detrás de Axeman, prefirió sumergir su música en una nube estática lo que tenemos es esto; ambicioso y épico black metal sicodelico solo apto para aquellos que pueden disfrutar de la música sin importar que esta no se pueda escuchar a un volumen ensordecedor. De veras, mientras mas subo el volumen de mi equipo mas escucho ese silbido constante que atrapa la música y mas me enfada el no poder apreciar la soberbia performance de Volahn.’

Basado en la segunda descarga que encontré y que provenía de un vinilo transferido a digital - y la que aquí presento - escribí; ‘Perdonen por el sonido de de Arrive pero no hay manera de que no le fulmine a uno el oído. Aunque esta transferencia de vinilo retiene las mismas tonalidades, el audio esta vez se puede apreciar en primer plano y no como si estuviera siendo tocado en la habitación contigua. Nos viene bien, pues ahora la música de Axeman, la estratosferica performance del maravilloso Volahn, puede ser disfrutada con lujo de detalles.’ 

Arrive es un disco variadisimo en el que a pesar del rango obtenido y de la distancia viajada, todos los sonidos, sin importar que distantes, fluyen con total sentido. El aspecto sicodelico puede en muchos sentidos ser un derivado de la producción misma y por uno que otro punteo de guitarra, sin embargo la performance y el gusto del músico es obviamente tan abierto de mente como el de cualquier artista experimental. Tomemos el primer tema (“Metnal") por ejemplo, y apreciemos su apertura acústica, así como el empalme heavy con guitarras que se disparan como rayos laser. Hasta aquí nada standard pero todo heavy. Mas adentro Axeman demuestra que el metal, no importa que tan negro, puede siempre ser sazonado con algo de punk sin tener que perder nada de malévolo. 

El black metal funciona mejor cuando explaya sus principios de regreso a lo básico. Rara vez los experimentos o los embellecimientos funcionan. Las cacas de Cradle of Filth o Dimmu Borgir son buena muestra de eso. Axeman es obviamente la excepción; es black metal con una ambición compositiva rara vez escuchada (además de perfectamente complementaria de su temática 'kosmica') y casi nunca realizada sin resultados avergonzantes. El contraste y la necesidad de permanecer por debajo de los radares del populorum es asegurado via los medios en los que se editan y por supuesto por los sonidos infames que estas retienen. 

((Haz Llegado 3 Años Demasiado Tarde))

JEX THOTH – Doom Metal Que Causa Erecciones

Les voy a ahorrar tiempo y no me mandare con quince párrafos en los que inútilmente intento elevar a la gloria el ultimo disco de Jex Thoth y lo declaro uno de los mejores del año como todo un huevón, pero no quería dejar pasar ni un solo día sin al menos mencionarlo. Recibí una copia promocional la semana pasada y desde que lo puse la primera vez aquella noche de ese mismo día no he podido sacudirmelo. 

El disco se titula Blood Moon Rise y esta tres pasos por delante del larga duración auto-titulado del 2008, cinco pasos adelante del famélico EP Witness y es aun mas abrumador y seductor que su introducción al mundo en el 2007, cuando Jex Thoth intempestivamente aparecieron con un EP bajo el nombre Totem. Aquel EP fue para mi la revelación del año; doom sexy e inteligente, sicodelia encantadora y de ínfima fidelidad. La música era lenta, agonizaba en su letargo, pero la riqueza melódica acongojaba y la voz de Jex Thoth causaba un millón de erecciones. 

Espere subsecuentes grabaciones pero nada de lo que siguió se comparo con aquel EP de tres temas. Eso hasta el viernes pasado cuando puse Blood Moon Rise en mi equipo y por primera vez escuche la perfección estética y la profundidad musical de Jex Thoth en el 2013. 

Esta vez, la vocalista Jex Thoth se ha montado la composición de todos los temas y vaya trabajito final; Blood Moon Rise es mas fácil en los oídos, pero es también mas profundo y devastador. Ida esta la producción barata y la bateria enterrada en las cuerdas. En su lugar Blood Moon Rise tiene un invitador sonido stereo que se te mete por los poros y te infecta hasta el cerote. 

La música esta arreglada en capas perfectamente balanceadas. Los riffs son simples, cálidos y suculentos, siempre construyéndose hasta la ebullicion de un punteo. Todo es lento, pesado y contundente. Hay teclas discretas que enriquecen la música y que en partes le dan a los temas un nivel mas real y épico, pero la banda nunca exagera ese aspecto. Si lo que intenta Jex Thoth es trascender lo hace de un modo muy humilde, con el énfasis y el enfoque en la composición y no en el numero de notas. 

Pero como sus mejores temas pasados, lo mejor de Jex Thoth reside en cierta belleza que caracteriza a su música. Gran parte de eso se debe a la voz de Jex Thoth quien sin importar el tipo de tema (lento y pesadisimo o lento y baladesco) lidera y acarrea con un timbre perfecto. Cuando canta, Jex puede liderar cualquier coro, puede enamorar al mismísimo diablo, lesbianizar a la femina mas heterosexual, enderezar al mas desviado y arrechar hasta a un eunuco. Jex es una cantante esplendida y el doom nunca ha sido un genero tan fácil de tragar por eso mismo. 

Blood Moon Rise es el mejor álbum de Jex Thoth. No solo contiene su tema mas infeccioso (“The Places You Walk”) sino que es musicalmente mucho mas rico, contundente y consistente que el resto. La banda demuestra también mucha cobertura; desde el inmediato medio tiempo de “The Places You Walk” hasta los elefantescos pisotones de “The Divide” y las tenues notas de “Keep Your Weeds" y “Into a Sleep”, este disco es simplemente soberbio. 

TORTUGA, Auto-Titulado (Tóxiko Producciones, 2013)

Tortuga invariablemente continua en la tradición de Tlön, la banda argentino-peruana que editara tres excelentes discos entre el 2009 y el 2011. Esto es lógico si se tiene en cuenta que el rol protagonico en ambas es del guitarrista y vocalista Christian Van Lacke, argentino radicado en Perú, pero cuyas raíces musicales están tan bien afianzadas en su cuna que ni siquiera con este cuarto disco de heavy psyche se puede sacudir esas influencias. 

Esto es obvio; por un lado prevalecen las cadencias setenteras que mas que en Sabbath son basadas en aquella época dorada del blues pesado argentino y por otro tenemos un tema entero que suena tan de la época que parece desenpolvado. Se llama “Arbol, Cielo, Vida”, y en el Van Lacke, acompañado de las edulcoradas voces de Julieta Rimoldi y Tania Duarte, se acerca sin temor a ese surrealismo sonoro y lírico que Spinetta pudo crear en su juventud. 

Vocalmente, Van Lacke a veces suena como una bruja encantadora, otras como una doncella romántica tratando de encamarte y otras, como una sirena en busca de su tritón, emitiendo un falsete bajo el agua y dividiendo a la audiencia en dos; aquellos que admiran su peculiar manera de cantar y aquellos que se espantan al considerar su timbre intragable. El tema en cuestión es soñador y gentil, una acústica romanza al natural que rebela una achorada disposición hacia un estilo que los chicos ‘heavies’ podrían considerar cursi. 

Pero Tortuga es ante todo una banda de rock pesado y Van Lacke no podría haber buscado mejor compañía. En la bateria esta Julio Almeida, cuya trayectoria con Mazo y Reino Ermitaño lo sobrecalifica para el proyecto. “Ñaca”, como es conocido en el ámbito, da golpes sueltos y duros pero económicos. Su estilo es servicial mas no ornamental. No se puede decir lo mismo del bajista español Jesus Morate, cuyas notas y detalle merecen ser admirados aparte. Su énfasis en la profundidad de sus matices y en ‘grooves Butlerianos’ te hacen olvidar el concepto de la segunda guitarra. 

Si Tortuga recuerda mucho a Tlön no es solo por la característica voz de Van Lacke, sino también porque musicalmente las influencias, la ejecución y, hasta cierto punto, la producción parecen ser las mismas. La mayor diferencia entre ambos proyectos esta en la duración. Tlön era una banda de temas por lo general compactos, mientras que casi cada tema de este debut o parece terminar en una sesión improvisada o se explaya en riffs que naufragan en su repetición. Lo que esto implica es que arreglos enganchosos como el de “Flores Liquidas” se derritan hasta el punto de dejarnos con un compendio de punteos de guitarra. Ese tema comienza denso y pesado pero se diluye en un vago ejercicio de indulgente sicodelia bluesera. 

Otros temas son salvados por esta mal llamada ‘indulgencia’. “Las Estrellas y los Planetas” es el segundo tema y sus arreglos controlados le restan importancia hasta que llega la hora del solo. Aquí Van Lacke demuestra una vez mas ser un maestro del instrumento y habitar un espacio único entre el blues espeso y la abstracción total. 

Tortuga funciona mejor cuando guardan compostura. Quizás eso vaya contra la naturaleza de un trio de este estilo, pero cortes como “Giran La Cabeza”, donde un acercamiento al kraut rock parece rebelarse en las repeticiones de Morate y la guitarra de Van Lacke desaparece una y otra vez entre parlantes, funcionan de maravilla. 

Considerando el linaje, Tortuga no es exactamente un grupo revelación. Estos lo saben y demuestran una seguridad en si mismos que parece causar ciertos excesos y redundancias, pero que en sus mejores momentos es tan exhilarante como cualquier clásico británico o gringo. O claro, argentino...

RANDY HOLDEN, Population II (Hobbitt, 1970)

Al parecer este disco dejo tal marca en Randy Holden, que luego de su lanzamiento y eventual caída en la semi oscuridad comercial, el ex Blue Cheer dejaría la música por completo por mas de veinte años. Suena romántico, aunque la realidad quizás sea mucho menos idílica.

Population II, que vale aclarar es el nombre de este proyecto con el baterista Chris Lockheed y no del disco, fue grabado en el '69, inmediatamente después de que Holden saliera de Blues Cheer y fue el resultado de sus frustraciones artísticas.

Al parecer Population II es un álbum reaccionario, donde Holden por fin toma las riendas de su carrera y deja que su instrumento exprese todo lo que fue acallado durante su corta permanencia en bandas como Blue Cheer, The Other Half y The Fender IV.

Y que manera de soltarse! Aquí Holden habla, insulta y hasta recita poesía con un diestro manejo de la distorsión y las notas mas profundas cálidas de ese lado dañado del blues. Llamemosle proto metal, pero también proto stoner rock y proto doom, pues el paso aquí es letárgico y las imagenes que temas como "Fruit & Iceburgs" invocan son producto del degenere post-hippie; romanticismo desencantado y contestatario, melodías azules y líricas alucinadas llevadas por el ácido y elevadas por la popularidad de la hierba.

Uno no puede ser despectivo con el legado de Blue Cheer, pero este Population II no tiene nada que envidiarle al Vincebus Eruptum. De hecho, inicialmente en el tema "Borrowed Time", Population II suenan exactamente como ese clásico, pero poco a poco dejan la piel y agarran vuelo propio, aunque vale decir que el sonido aquí es uniforme.

Hay un tema llamado "Guitar Song" que es un coqueteo hipersexual entre Holden y su guitarra. Las letras no pueden ser mas directas, - 'i love the sound of the guitar player, and i love the way it makes me feel inside' - y dejan poco a la imaginación. El blues adentro es simplemente magistral. Da pena pensar que algo tan dulce, bucolico y triste llevara a Holden a la bancarrota y de ahí a que dejara la música por mas de dos décadas.

((Población Solo 2))

MIXTAPE VI - Rey del Sludge Sudamericano - Por Sergio Chotsourian de LOS NATAS

Queridos amigos y hermanos del rock y del metal, de la vida y de la familia, de la guerra y de la paz.  Ante nada quiero agradecerles por estar ahí abiertos a la música que viene saliendo de mis entrañas desde hace ya 20 años. Y claro también me siento muy honrado por Discos Inauditos y esta propuesta aguerrida y sincera de pasar bien el rato con lo que mas nos gusta. Que es la buena música y los amigos para compartirla. 

Este estilo de música a veces tan satánico y a veces tan espiritual, es como el camino de la vida misma. Espero que disfruten este playlist que les arme. Muy enfocado en mi infancia, en mis años de rebeldía y en estos tiempos de cambio y reconciliación, sigan con la lucha que es diaria y la fe que no se pierda de tener una vida mejor y mas sincera. Les dejo saludos desde la Argentina. 

SERGIO CH. [ARARAT, LOS NATAS] 

1 - The Cult - Love / Love - 1985 

2 - Danzig - Her Black Wings / II: Lucifuge - 1990 

3 - Kyuss - Thumb / Blues for the Red Sun - 1992 

4 - Turbonegro - The Age of Pamparius / Apocalypse Dudes - 1998 

5 - Vox Dei - Jeremias, Pies de Plomo / Jeremias Pies de Plomo - 1972 

6 - Aeroblus - Vamos a Buscar la Luz / Aeroblus - 1977 

7 - Riff - Ruedas de Metal / Ruedas de Metal - 1981 

8 - Iron Butterfly - In-a-Gadda-Da-Vida / In-a-Gadda-Da-Vida - 1968 

9 - Hawkwind - Motorhead / King of Speed (sencillo) - 1975 

10 - Los Natas - El Cono del Encono / Corsario Negro - 2002

((MIXTAPE VI))

LIQUID SOUND COMPANY, Exploring the Psychedelic (Brainticket, 1996)

En 1999, mientras cursaba mi primer año de maestría y atendía un curso de pequeños negocios enseñado por una profesora francesa que odiaba mis bolas, fui asignado una tarea que requería entrevistar al dueño de una compañía. Yo que en esa época estaba obsesionado con Monster Magnet y Kyuss y acababa de descubrir a Saint Vitus, no encontré mejor entrevista que John Perez, el guitarrista de Solitude Aeternus y mini-empresario con su disquera Brainticket. Basto un e-mail para que el tejano me diera su numero de teléfono y otro para que acordemos una fecha. Así, un martes por la mañana lo llame y conversamos largo y tendido por 45 minutos. Lo que yo quería no era necesariamente aprender sobre negocios o administración de empresas, sino aprender sobre como funcionan las pequeñas disqueras. 

Perez, cuyo primer álbum In the Depths of Sorrow fue editado por Roadrunner en el ’91 y había hasta desde entonces tenido experiencias profesionales con Pavement Music y Massacre, era el candidato perfecto para informarme sobre el día a día de este tipo de empresas. El seria Mr Miyagi y yo Daniel San.

Perez fue muy cándido, aventándose a revelar el tipo de presupuestos de discos de King Diamond y otras semi-luminarias del metal. También ahondamos levemente en Exploring the Psychedelic, el debut de su proyecto sicodelico-experimental Liquid Sound Company que yo acababa de adquirir a través de su website. A mi, que me acababa de aprender todas las líricas de Superjudge y Dopes to Infinity, el disco me sonó genial y lo guardo hasta el día de hoy en una mayor estima que cualquiera de Solitude Aeternus. 

Como su mismo nombre lo indica, Exploring the Psychedelic es un chapuzón en el rock ácido, un exitoso primer intento en ahondar en una fascinacion. Perez deja todo el doom metal de lado y se dedica integramente a experimentar con temas que abusan de los efectos, pero que se concentran en melodías inmediatas e instrumentacion exquisita. He ahí el éxito del disco, cada corte es su propia experiencia y cada experiencia es memorable. Además, Perez acierta al mantener su exploración concisa y al no aburrir con pajasos de temas que duran veinte minutos. 

Exploring the Psychedelic no contiene ningún tema menor, pero quizás por su vasta gama de sonidos haya temas que sobresalgan dependiendo de los gustos del que los escucha. Personalmente me inclino por el pop dañado de “Golden Gate ‘67”, la extraña y absorbente pesadez de “Swallow”, el ondular étnico de “Mesmerizing Eye” y el creciente acuatico de "Sadhana Siddi". Joder, lo escucho despues de tiempo y pienso que este disco a madurado como el vino.

((Explorandome los Huevos))

NORRSKEN, Casi Todo (Auto-Ediciones, 1996-99)

Yo amo a Graveyard. Tu amas a Graveyard. Nosotros amamos a Graveyard. Yo Amo a Witchcraft. Tu amas a Witchcraft. Nosotros amamos a Witchcraft.

O, yo odio a Witchcraft. Tu odias a Witchcraft. Nosotros Odiamos a Witchcraft. Y yo odio a Graveyard. Tu Odias a Graveyard. Nosotros Odiamos a Graveyard.

Sea como sea, tu estas en uno de esos cuatro grupos. Y si no eres parte de ninguno de esos grupos entonces considerate como un desentendido. O asumo que haz estado en estado vegetal durante los últimos seis años.

Y si ese es el caso y lo único que te gusta es la onda brutal, entonces te recomiendo que te esperes hasta el próximo post.

Y si te gusta la onda stoner, o el blues, o el doom avejentado y no conoces ni a Graveyard ni a Witchcraft pues sugiero fuertemente que desatores tu cabeza de tu ano.

Norrsken es para muchos de los entendidos donde todo comienza. Donde las dos bandas mas magistrales del remedante genero del blues-stoner-doom se inician. Estos son pues los primeros pasos, los pininos, el gran desvirge de lo que seria Witchcraft y Graveyard.

El enlace que abajo copio incluye lo que es hasta donde se, todas las grabaciones de Norrsken con excepción de la primera maqueta auto-titulada del '96.

Dentro podrán encontrar cuatro carpetas; una es el Hokus Pokus, segundo demo de cuatro canciones que también data de 1996 y que nos presenta a una banda algo cruda pero con un gran sentido de lo que constituye el blues duro. Esencialmente, eso es lo que Norrsken hacían; rock duro y crudo, blues que aspiraba a tener espiritu, música negra interpretada por escandinavos que aun no entendían lo que era tener un pasado de penas y que quizás, aun tampoco descubrían los placeres de Black Sabbath.

En las voces estaba Joakim Nilsson, el rasposo vocalista de Graveyard, aquí sonando como un adolescente de grandes aspiraciones, en el bajo Rikard Edlund también de Graveyard, en la batería Kristofer Sjodahl quien formaría los demasiado quietos Dead Man y en las guitarras nada menos que Magnus Pelander, el hechicero, brujo, curandero, doctor y científico detrás de Witchcraft.

En otra carpeta y con peor calidad de audio podemos encontrar el sencillo del '99 de dos temas que incluye "Little Lady" y "Armageddon", temas solidos donde Nilsson se acerca un poco a su registro actual, pero donde principalmente y claramente podemos percibir el cálido guitarreo de Magnus Pelander, quien aquí es el único que le da a las seis cuerdas. La música es soberbia, las capacidades de los músicos están en evidencia y en "Little Lady" como que Pelander quiere canalizar a Ritchie Blackmore con un delicioso juego de escalas armoniosas.

En la carpeta titulada Bastards Will Pay podemos encontrar un cover del "Psalm 9" de Trouble que fue incluido en un disco tributo. El corte es peculiar, reina el bajo o una guitarra que suena como bajo, y las voces tienen un registro bastante alto. No suena como Nilsson. Escuchen el punteo, la delicada finesa de Pelander esta en evidencia y el pasaje lento de flauta es capaz de transportarte a los pastos verdes de algún campo remoto.

La genial canción "Pilot" esta en la carpeta llamada Blues Explosion y proviene de un tributo a Blue Cheer. Nada mal. Lejos de la perfección y de la madurez compositiva radicaba el gusto de estos suecos geniales. Norrsken nunca fueron la gran cagada, pero avisoraban un futuro brillante.

((Nor...que?))

CELESTIAL SEASON, Solar Lovers (Displeased, 1995)

Compre este disco cuando se edito a fines del ’95, luego de haber leído una auspiciosa reseña en una ya fenecida revista de metal subterráneo llamada SOD (Sounds of Death) y en una también ya fenecida cadena de tiendas de discos llamada The Wall. Mis primera impresión fue simple; la portada es una mierda, evidencia de sus tendencias románticas y su falta de talento creativo. Pero lo que a Celestial Season les faltaba en creatividad visual lo compensaban con un poco de death doom de curiosa profundidad. 

En el ’95 My Dying Bride eras reyes de un pequeño reino y Anathema hacia chapotasos por despuntarse. Un par de revoluciones mas arriba estaban estos holandeses, zumbando bajo el radar y dándole círculos al violín como si fuera un instrumento parido para el metal. Para mi, que en esas épocas me gustaba el doom de Paradise Lost pero My Dying Bride me ponían en los brazos de Morfeo y Anathema me causaban indigestion, Celestial Season ofrecían el balance perfecto; musica tremebunda y lenta como un gusano, un armonioso affair entre el doom puro y agonizante sazonado con chispasos del entonces naciente movimiento stoner. 

Para ser sincero, Celestial Season eran cursiles románticos pero sabiamente nunca llegaron a demostrar su romanticismo de modo enfermizo, como si lo hicieron Aaron Stainthorpe y sus My Dying Bride con el excesivo y cansante The Angel and the Dark River del mismo año. Además, Celestial Season ya jugueteaban con la sicodelia stoner que mas tarde harían suya en el mediocre EP Sonic Orb. El corto instrumental “The Holy Snake” es muestra de esto, y por ahi punteos que se salen del marco típicamente death doom con tonos acuáticos y doquier de efectos. Estos denotan su enamoramiento con el afinamiento de Josh Homme. 

Pero como todo yin tiene su yang, Celestial Season también muestran un lado que no es ni tan triste ni tan introspectivo en el tema “Vienna”. No se si fue su intención causar una risotada, pero ese ritmo de percusión pausado, ese riff que mas que breve es intermitente y esas armonias vocales a escalas en registro gutural de Stefan Ruiters no estaban lejos de la comedia. Es indudable, por un breve especio de tiempo Celestial Season hicieron doom del bueno. Luego cayeron en el merecido olvido. 

((Amantes del Circulo Solar))

Entrevista con Richard Nossar de DON JUAN MATUS

Desde un principio lo de Don Juan Matus fue cosa curiosa; rock duro experimental con evocaciones literarias, doom inteligente y atrevido, lejos de las típicas mamadas del metal, música viva y latente que no es ni sera reproducida en un escenario. Mejor aun, el sonido de Don Juan Matus es muy removido del resto, de alma propia y estilo individual, razones por las cuales están entre mis bandas favoritas. 

Recientemente Don Juan Matus compartió un split con la revivida versión de la antigua banda peruana Oxido. Con motivo de eso y de mi amor por la música de este genial combo decidí conversar con el guitarrista y artífice de la banda, Richard Nossar...

DI - Empecemos por el nombre, Don Juan Matus es una figura en los libros de Carlos Castañeda. ¿Por qué nombraron la banda tras este personaje y existe alguna relación entre el personaje y la música de Don Juan Matus?

Uriah Heep me dio la idea de bautizar a la banda con el nombre de un personaje literario y Don Juan Matus fue el primero que se me vino a la mente. Joaquín (Joaquín Cuadra fue baterista del 2005 al 2008) no había leído a Carlos Castañeda, pero luego de explicarle mis razones, accedió sin mayor reparo. La conexión entre la banda y el personaje es la época en la que este fue creado, época por la que sentimos una afinidad musical y estética. Con el autor nos une la nacionalidad, aunque esto no ha sido comprobado hasta el día de hoy.

Cuando el grupo se hizo 'conocido' internacionalmente, recibimos una considerable cantidad de mensajes que nos decían que deberíamos avergonzarnos por hacer uso de un nombre creado para el desarrollo espiritual. La 'relación' con el personaje sigue y seguirá vigente, ya que mucha gente sigue llegando a nosotros a través de él.

DI – ¿Tienen algún tema que este basado en los libros de Castañeda?

“Matorral” y “Vórtice Espiral” son los únicos temas que están inspirados en el personaje de Castañeda.

DI - ¿Cuentanos un poco sobre el comienzo de la banda?

La banda empezó cuando Joaquín Cuadra me invitó a jammear con él en diciembre del 2005, ya que su profesora de batería le dijo que la mejor forma de practicar era tocando acompañado. Yo no agarraba un instrumento en años y me pareció divertido hacerlo nuevamente, así que acepté. En aquel momento, no tenía mayor pretensión que la de pasar un buen rato en una sala de ensayo con un amigo y algunas cervezas encima. Jamás hablamos de estilos, mucho menos de derroteros líricos. Joaquín hasta ese entonces solo escuchaba rock clásico y era claro que tomaríamos ese camino. Luego de algunas sesiones bastante caóticas, las cosas empezaron a tomar forma y nos trazamos la meta de pulir 2 temas, grabarlos y editar un 7” con la ayuda de algún amigo que viviera en el extranjero. Luego de eso, le pondríamos fin al proyecto siguiendo los pasos de muchas bandas de fines de los años 60 y principios de los años 70 que solo editaron un 45. 

Nuestro primer bajista (Hugo Elías) no se sentía muy entusiasmado con la idea de grabar y fue reemplazado por un viejo amigo con el que ya había tocado antes (Manuel Garfias). Joaquín se iría por razones personales y sería reemplazado por Alfonso Vargas. Alex Rojas y Veronik llegaron como músicos invitados y fueron incorporados luego de sus respectivas intervenciones. 

DI - ¿En líneas generales, cuál es la temática de la banda?, ¿Qué se desea transmitir líricamente y que tan importante es el rol de estas en la música de Don Juan Matus?

La banda no está centrada en una temática lírica y las letras abarcan una serie de tópicos que a veces poco o nada tienen que ver entre sí. Yo soy una persona escapista y por lo tanto escribo letras escapistas. Mis fuentes de inspiración han sido películas, cuentos, experiencias oníricas y algunas substancias que uso con frecuencia.

DI - Hablemos un poco de este escapismo que alimenta tu proceso creativo. Empezando por películas, ¿Podrías nombrar unas cuantas que hayan influenciado o inspirado tu música y porque?, ¿Qué géneros son los que prefieres y que directores, si es que hay alguno?, ¿Esta influencia de las películas en tu música es lírica o también melódica?

La película británica The Wicker Man inspiró 6 de los 9 temas incluidos en Visiones Paganas y la letra de “Mundo Alterno” está inspirada en una escena de Altered States de Ken Russell. ¿Por qué me inspiraron? Bueno, me sentí profundamente identificado con el mensaje de la primera, incluso una escena me generó un deja vu. Altered States es una de mis películas favoritas y los alucinógenos indios me hicieron conectar con Don Juan y Castañeda. Me gustaría escribir una letra basada en “Zardoz” de John Boorman. 

El cine me interesó desde siempre, es más, estuve en un taller de Armando Robles Godoy a mediados de los años 90. Stanley Kubrick, Kenneth Anger, Alejandro Jodorowsky, Nicolas Roeg y David Cronenberg son algunos de mis directores favoritos. La lista es larga.

La influencia de The Wicker Man también fue visual, ya que nos tomamos fotos utilizando caretas de animales. Usamos también samples de la película doblada al español y un screenshot del film en la cubierta del CD.

DI - ¿Sobre tus experiencias oníricas, me imagino que es difícil de explicar pero a que te refieres precisamente? ¿Te despiertas y un sueño te ha dejado una historia O tienes ideas nuevas al despertar?

Tengo una gran actividad onírica y por lo general recuerdo con muchísima facilidad lo que sueño. Mis sueños me han dejado desde títulos de canciones hasta historias que planeo algún día convertir en guiones.

DI - ¿Porqué Don Juan Matus no toca en vivo?

Don Juan Matus nació y morirá como un proyecto de estudio. La cantidad de instrumentos usados y la producción de la mayoría de los temas hacen difícil su ejecución en vivo. Adaptarlos para tocarlos en directo nos haría perder mucho tiempo en ensayos y preferimos invertir ese tiempo en seguir creando y grabando. Hoy en día creo que todo se reduce a un tema de comodidad. Por otro lado, nos agrada la mística que se ha generado en torno a la banda por no tocar en vivo. 

DI – ¿Alguna vez han sentido ganas de tocar en vivo?

Hace unos años, Espíritus Inmundos nos propuso realizar una presentación en vivo con el objetivo de registrarla en vídeo y editar un DVD. La idea nos pareció interesante, pero los viajes intempestivos de algunos miembros evitaron que el proyecto se concrete. 

DI - El otro día escuché todos tus discos en orden y algo que me llamó la atención fue cierto cambio/evolución que ocurre entre el debut auto-titulado y Más Allá Del Sol Poniente. El primero parece más experimental, más sicodélico. Los temas son de alguna manera más sueltos, mientras que en el último, el énfasis en el rock más directo es obvio. Digamos que Más Allá Del Sol Poniente suena más al producto de una banda formada que practica sus temas hasta tenerlos listos. En tus palabras, ¿cual es el transcurso sonico entre tus discos?

Entre el disco epónimo y Más Allá Del Sol Poniente pasamos de ser un trío a un quinteto y era obvio que eso tenía que reflejarse en la música. El objetivo fue desde siempre hacer discos distintos, pero coherentes entre sí, dándole a cada tema una identidad propia y creo que lo logramos. 

Curiosa impresión la tuya. Nuestro último disco es el más impersonal de los tres, ya que a diferencia de los 2 primeros, ningún tema fue ensayado. 

DI - Mi tema favorito de tu banda es “Mundo Alterno”. Me imagino que escoger temas favoritos de uno es algo así como escoger un hijo favorito, pero dejando eso de lado y siendo francos, ¿Cuál es/son el/los tema/temas mejor realizados de la banda y porqué? 

“Sol Poniente”, “Polaris” y “Vórtice Espiral” siempre serán especiales para mí, ya que fueron el punto de partida del proyecto. 

Si hablamos de realización, me quedo con “Círculo De Sueños” y “Polaris” del disco debut. “Foresta Esmeralda”, “Ritual”, “Las Niñas De La Luna” y “Siervo” del segundo y “Kadath/Más Allá Del Sol Poniente”, “Ectoplasma”, “Mundo Alterno” y “Verde Nocturno/Las Horas Azules” del tercero. Con el último la cosa es más difícil, ya que todos los temas me parece que están a un mismo nivel de realización. Me gustan mucho también como quedaron las versiones de “Sol Poniente” y “Kadath” incluidas en los singles y la versión de “Matorral” con flauta que hemos incluido en Espejismos.

DI - ¿Como se construyo el tema "Mundo Alterno"? 

“Mundo Alterno” nace de una pista de batería que Alfonso registró al poco tiempo de ingresar a la banda. La grabación pasó a manos de Veronik y ella compuso la música por su cuenta, para luego grabar la guitarra. Me llevé el tema y escribí la letra, la cual está inspirada en una escena de la película Altered States de Ken Russell. Manuel grabó el bajo y el solo de guitarra con wah-wah. La melodía vocal la hice paralelamente con la letra y Alex la puntualizó a la hora de grabar. Algunos críticos creyeron que el tema tiene theremin, pero es Veronik usando un pedal whammy. Si te fijas en los créditos, yo no toco en ese tema. 

DI - Hace poco se editó un split de Don Juan Matus con Óxido. Anteriormente se editó un split con la banda alemana Angel of Damnation. Por otro lado, la banda ha fichado con sellos extranjeros. Digamos que a modo de recomendación para aquellas jovenes bandas que quieren exponer su música, ¿Cómo les recomendarías que empujen su música hacia el extranjero para así lograr la tan ansiada edición a través de sellos disqueros? 

Les recomendaría que graben un demo y envíen copias físicas a sellos que pudieran estar interesados en su propuesta. Sé que esto puede ser caro, pero es la única forma de llegar. Hoy en día, los sellos no quieren saber nada de redes sociales o correos con archivos de audio adjuntos. Si son una banda latina que canta en español, no intenten ser fichados por un sello cuyo catálogo está compuesto de bandas que cantan en inglés. Si la música es buena, tarde o temprano alguien la editará. Hoy en día con el internet es muy fácil llegar a todas partes. 

DI - Al mismo tiempo, todas estas ediciones físicas denotan el interés de la banda por mantener una presencia física en un ámbito en el que el producto físico parece perder vigencia día a día. ¿Cuál es tu postura sobre las ediciones físicas y qué piensas de la música digital? 

No creo que el disco físico esté perdiendo vigencia en los circuitos donde nos movemos. Para mí, el formato análogo siempre será el mejor en todo sentido (sonido, presentación, etc) y me atrevería a decir que Veronik, Manolo, Alex y Alfonso piensan de la misma manera. Editar nuestra música en físico siempre será fundamental para nosotros, ya que somos gente que creció consumiendo música en físico. Las ventajas y desventajas de cada formato son bastante obvias a estas alturas.

DI - ¿Descargas discos en internet? 

Descargo discos para evaluarlos. Si un álbum me gusta, trato de conseguirlo en físico y de preferencia en vinilo. Por otro lado, me parece genial tener acceso a demos y/o grabaciones en vivo que en otro tiempo hubiera sido muy difícil conseguir. 

DI - Richard, se que te gusta mucho el rock antiguo, pero enfocándonos en lo actual, en tu opinión cuales son los 5 mejores discos que han sido editados durante los últimos dos años y porque? 

Pregunta díficil, ya que en los últimos años se han editado discos muy buenos. Si tuviera que elegir cinco, creo que optaría por los siguientes: Living With The Ancients de Blood Ceremony, Hisingen Blues de Graveyard, Blood Lust de Uncle Acid & The Deadbeats, el 10” de Spiders (aún no escucho el álbum que acaba de salir) y el Legend de Witchcraft. Podria haber elegido el doble pero estos son los mas recurrentes. Creo que son tan consistentes como cualquier clasico de antaño.

DI - Mencionaste el Legend de Witchcraft. Quisiera saber tu opinión al respecto. A mí me choco el disco, porque me pareció mucho más moderno que los anteriores. Me pareció excelente, los temas son impecables, pero aparte de la voz de Magnus Pelander, esta podría ser otra banda. Recuerdo leer una entrevista con el hace mucho tiempo en la cual él hablaba de su adoración por Tool. Cuando escuche Legend, la producción me pareció bastante cercana a la de Tool, aunque obviamente los temas son de otro corte. Se que te gusta el disco, pero ¿cuál es tu opinión de el sobre todo en relación al trabajo anterior de la banda?, ¿Vez un cambio de estilo? Y como se compara este con los discos pasados de la banda. Idealmente, yo quisiera saber cual es tu postura sobre estas 'evoluciones' sónicas de los artistas...

Era presumible que la banda sufriría un cambio luego del disco solista de Pelander. Legend debe ser visto como el primer capítulo de una nueva historia. No es ni mejor ni peor que los trabajos anteriores, es solo diferente. Creo que este álbum está destinado a marcar pautas como lo hizo el disco debut en su momento. Sobre la producción, no podría decir si es similar a la de Tool, ya que jamás he escuchado un disco de Tool, solo he visto algunos vídeos.

Lo único constante en nuestras vidas es el cambio y uno no debe resistirse a el. 

DI - Finalmente, ¿Cuáles son los siguientes pasos para Don Juan Matus? 

El siguiente paso es editar Espejismos, disco compuesto de temas inéditos, versiones alternativas y temas nuevos grabados individualmente. Aún no sabemos si grabaremos un cuarto disco, ya que Manuel está en Australia y para él es complicado grabar en este momento. Por otro lado, todos estamos involucrados en otros proyectos musicales y extra-musicales. 

Si grabaramos un cuarto disco, ten por seguro que será distinto a los anteriores. Temas y ganas de grabar no nos faltan, pero el tiempo y las circunstancias no sé si lo permitan por ahora.

Don Juan Matus Mundo Alterno by IgnacioBrown